10 señales de que Pixar realmente odia a los niños

Spoilers, obviamente. La asociación Pixar-Disney ha establecido récords de taquilla, ganó premios y se destacó en la infancia de innumerables fanáticos de todo el mundo. Han elaborado con éxito una fórmula para atraer a todas las edades, además de sacar provecho de la mercancía, haciendo que cualquier cosa que lleve la etiqueta «Pixar» sea material de visualización imprescindible y forraje capitalista.

Pero a pesar de su popularidad entre las familias, y especialmente entre los niños pequeños, hay una vena vengativa que atraviesa las narrativas de prácticamente todas las películas de Pixar hasta la fecha. Uno que deja en claro que, para la gente detrás de las películas, su principal base de fanáticos también es objeto de algunas críticas muy reprimidas.

Si miras más allá del encanto, las peculiaridades, las voces de las celebridades y los colores brillantes y amigables de la biblioteca de películas de Pixar, es posible que comiences a notar los mensajes subversivos contra los niños que se encuentran en todas estas películas supuestamente aptas para niños.

10. Toy Story: todos los niños son intolerables y merecen castigo

Sid

El primer Toy Story es el que lo inició todo. Desde el establecimiento de la animación por computadora como el nuevo medio principal de las películas para niños, hasta la comedia de amigos de pareja extraña que ha definido todas las películas de Pixar desde entonces, hasta el tropo de calzar una secuencia de persecución en el acto final para hacer que el clímax parezca más urgente. Toy Story estableció los estándares para que las máquinas de impresión de dinero de Pixar comiencen a producir efectivo.

Como era de esperar, aquí también es donde el estudio comenzó a introducir propaganda contra los niños directamente en la narrativa y la textura de sus películas.

Sid es lo más parecido a un villano en la primera Toy Story, porque se divierte jugando con juguetes de una manera que reduce su vida útil. Él ignora por completo que en realidad son sensibles y sienten dolor. Esa ignorancia del mundo, por cierto, es una especie de esencia de la infancia. Los niños son bastante narcisistas desde el principio porque sus cerebros necesitan tiempo para desarrollarse la capacidad de comportamientos, pensamientos y hábitos cognitivos prosociales. Se podría esperar que los juguetes, cuyo propósito en la vida autoproclamado es enriquecer la vida de los niños, tengan algo de paciencia para las necesidades de desarrollo de los jóvenes, especialmente cuando están socializando con lo que creen que son objetos inanimados.

Lamentablemente, la primera parte del clímax original de la carrera hacia los créditos involucra a Woody juntando los juguetes de Sid para anunciar, de la manera más traumatizante psicológicamente posible, que Los juguetes de Sid están vivos y enojados con él.. Lo que pensaba que era «jugar», ahora se ve obligado a reconocerlo como «tortura», porque nunca antes supo que sus juguetes estaban vivos. Entonces, mientras Buzz obtiene el beneficio de la duda a lo largo de toda la imagen mientras acepta la naturaleza de su existencia, la mente y la identidad de Sid se ven envueltas en una confusión por las risas baratas. Porque, aparentemente, los niños que juegan duro merecen ser castigados de una manera que se agravará con el tiempo. Sid es el villano porque solo era un niño.

Sería más fácil pasar por alto a Sid si las dos próximas películas de Toy Story no transmitieran lo terribles que son todos los niños, no solo los que encienden fuegos artificiales fuera del fin de semana del 4 de julio.

Por ejemplo, la secuencia final del original juega con la noción de que la única amenaza mayor que un niño inadaptado es un perro. Andy va a tener una nueva mascota y Buzz y Woody están aterrorizados.

Toy Story 2 inmediatamente prescinde de esta noción, haciendo todo lo posible para establecer que el relación entre juguete y perro es incluso más seguro que entre el juguete y el niño. Si bien todos los juguetes se vuelven flácidos y pasivos cuando los niños vienen a jugar, pueden disfrutar del tiempo de juego en términos mutuos con el perro de la familia, disfrutando del mismo tipo de camaradería y cercanía secreta de apretón de manos que tienen entre ellos. Incluso su dueño preferido es más despectivo y emocionalmente distante que el perro.

Mientras Andy descuida sus juguetes y permite que se pierdan, se los roben o simplemente los regalen por aburrimiento, su perro participa con entusiasmo en las misiones de rescate y en el tiempo de juego. En Toy Story 3, el contraste es aún más marcado y triste. El perro es demasiado viejo y está cansado para jugar con ellos, pero todavía quiere hacerlo. Andy, según todos los indicios, tiene todas las oportunidades para prestar a los juguetes la atención que quieren, pero elige no hacerlo.

Más adelante en Toy Story 3, queda aún más claro que si bien su propósito declarado en la vida es el tiempo de juego con los niños, sus parámetros para disfrutar realmente de esta actividad son estrechos hasta el punto de la contradicción. Ir a la guardería preescolar del vecindario se presenta como paralelo a pasar un mal rato en un campo de trabajo penitenciario. Este gulag de juguete muestra solo lo terrible que piensa Pixar que son los niños cuando son más pequeños. Fácilmente tan violentos como Sid, pero sin una pizca de ironía o conciencia de sí mismos en sus acciones, estos niños abusan, destruyen, degradan y aterrorizan sin una clara intención o incluso gratificación. Si bien los juguetes de la primera película sabían que podían asustar a Sid para que cambiara su comportamiento, aparentemente ven a los niños pequeños por debajo de cualquier tipo de intervención. Esta vez, solo quieren escapar.

El preescolar, para los juguetes, es el purgatorio. Pero cualquier otra relación que tienen con los niños parece ser una nueva forma de infierno.

9. Buscando a Nemo: los niños son psicópatas y hacen a los adultos estúpidos por proximidad

darla

¿Sabías que Sid hace un cameo en Buscando a Nemo? Es solo unos años más joven y parece una niña australiana a la que le gusta el pescado.

Esta película sobre la vida del océano y ambientada casi en su totalidad bajo el agua logra presentar a un solo personaje infantil humano que habla, y desata un odio puro y absoluto hacia ella, engatusando a la audiencia para que odie a los de su clase junto con los cineastas. La actitud del estudio sobre esta figura representativa es dejó en claro en su presentación, que es anunciada por la icónica y escalofriante música de cuerdas que casi todo el mundo reconocerá como perteneciente a la exclusiva banda sonora de Psycho “your doom is nigh”. Bien podrían salir y decir: Darla = Psicótica.

Al igual que Sid, Darla es una niña desagradable, pero típica, que juega de manera inapropiada con sus pertenencias. Ella no tiene la conciencia mundana para saber que los está lastimando. Es demasiado joven e hiperactiva para ser compasiva o empática, y aparentemente ningún adulto ha explicado que sacudir el pescado es malo para ellos. Así que, naturalmente, estamos destinados a odiarla por eso.

Y al igual que con Sid, utilizan la despreciabilidad de Darla para presta algo de recompensa al clímax también: en la medida de su capacidad, los peces en el pequeño acuario del dentista (y su amigo pelícano) abofetean el capricho infantil de Darla y hacen todo lo posible para asustarla traumáticamente y alejarla de cualquier futuro pez mascota. En efecto, es lo mismo que los juguetes de Toy Story le hacen a Sid, y comunica con bastante claridad lo que Pixar parece pensar que es la única forma de cambiar el comportamiento de los niños: recalibración psicológica abusiva por medio del condicionamiento del miedo.

Ah, y dado que todo esto ocurre en un consultorio dental, un paciente joven sin nombre y al azar que escucha todo este caos y gritos está naturalmente aterrorizado, lo cual es gracioso porque aterrorizar a los niños es lo mejor, incluso cuando no han hecho nada malo. (ver Monsters, Inc.).

Es posible que haya imaginado que hay algún mensaje ecológico en Buscando a Nemo acerca de no interferir con la naturaleza o dejar a los animales solos en su hábitat natural, pero el hecho de que el secuestro de Nemo fue motivado por un tío que intentaba encontrar un regalo especial para su sobrina, cambió algo que narrativa. En esencia, incluso los adultos aparentemente inteligentes se comportan de manera estúpida e irresponsable en nombre de sus hijos.

Si eso parece exagerado, tenga en cuenta que este tipo de comportamiento es literalmente lo primero que sucede en la película. La madre de Nemo se mata al intentar subir contra una barracuda.

Toda la configuración de los eventos clave del resto de la película, desde la aleta cobarde de Nemo hasta la racha neurótica sobreprotectora de Marlin, todo se deriva de esta tragedia inicial. Marlin, para que conste, no está loco en ese momento. Él insta muy explícitamente a su esposa a que no se haga matar, y adopta la visión pragmática de que, de acuerdo con la lógica y las matemáticas básicas, pueden intentarlo de nuevo en todo el asunto de la reproducción, pero perderán absolutamente cualquier tipo de confrontación con una barracuda. Marlin tiene razón, su esposa está equivocada, y la lección que aprende es: los niños deben ser protegidos a toda costa y sin tener en cuenta el sentido común o la practicidad. Luego pasa todo el resto de la película desaprendiendo esa lección hasta que finalmente deja que Nemo sea su propio pez.

8. Buscando a Dory: los niños están fuera de control como máquinas de guerra

gallo

Todos los comentarios clásicos de Pixar sobre niños tienen otra vuelta de tuerca en la secuela de Buscando a Nemo, Buscando a Dory.

Cuando Dory y su compañero pulpo Hank se encuentran Cayendo accidentalmente en la exhibición de la piscina de marea, tienen que correr un guante de niños pequeños agarrados, con dedos pegajosos que rompen, aprietan, empujan y, en general, abusan de todo lo que tienen a su alcance sin piedad. La escena se reproduce de manera bastante similar a la secuencia de Omaha Beach de Saving Private Ryan. Todo es horror, caos, pánico y dolor.

Cabe señalar que las exhibiciones de toque de piscina de marea son tarifa bastante estándar para acuarios. Pero casi siempre tienen un asistente, así como letreros, que indican que la “regla del toque de dos dedos” es la forma adecuada de interacción. Esta regla es exactamente lo que parece: si quieres ponerte manos a la obra con las criaturas en exhibición, no entres y las aplastes. Usas muy suave y deliberadamente dos dedos a la vez para una mínima intrusión. La única alternativa es no tocar nada en absoluto.

Dado que grado de investigación que hicieron los cineastas en todos los demás aspectos del acuario y la vida marina que se exhiben en la película, es lógico que conocieran esta regla estándar. Pero, decidieron que los niños son incapaces de autocontrol o seguir instrucciones, y convirtieron este rasgo en una secuencia completa. Y, al igual que en sus otras películas, los niños obtienen una pequeña cantidad de merecido cuando Hank desata una explosión de tinta, aparentemente asustando a los niños hasta las lágrimas para que limpien el área y dejen a los animales en exhibición solos.

No es tan dramático como lo que atraviesan Sid o Darla, pero llega a la misma conclusión: los niños, abandonados a su suerte, son pequeños monstruos horribles y sin sentido. La única forma de controlar su comportamiento es asustarlos o, si es posible, lastimarlos.

7. Monsters, Inc .: No se debe permitir que los niños estén en público

abucheo

Una de las películas más ingeniosas y originales de Pixar también adoptó un enfoque ligeramente diferente al problema aparentemente absoluto de los niños, y postuló que todo un universo de seres sintientes creería sin cuestionar que los niños humanos son literalmente tóxicos.

A diferencia de otras películas, los niños de Monsters, Inc. no están siendo castigados por ninguna mala conducta aparente. Su trauma es parte de toda una industria crítica que se basa en monstruos que asustan a los niños con la mayor frecuencia y profundidad posible. Por supuesto, como reconoció Toy Story, hay una ventana de oportunidad limitada para cualquier línea de trabajo orientada a los niños, y los niños no se mantienen lo suficientemente jóvenes e impresionables como para volver a un estado de locura de gritos y enuresis cuando se les ordena. Por lo tanto, el primer mensaje de esta película: los niños, especialmente los niños pequeños, deben ser el objetivo del condicionamiento del miedo lo más temprano y persistentemente posible.

«Pero», podría decir, «toda la trama de Monsters, Inc. demostró que los niños en realidad no son tóxicos en absoluto, en realidad son lindos y divertidos y quieren jugar».

Excepto que es exactamente lo contrario de lo que establece la primera película de Monsters. La realidad es que la comunidad de monstruos ha subestimado seriamente todo el peligro y el potencial destructivo de los niños. La energía bruta contenida en estos pequeños proyectos de Manhattan radiactivos es en realidad exponencialmente mayor de lo que jamás se había entendido. Encienden máquinas monstruosas por mera proximidad: la tecnología de carga inalámbrica ni siquiera es estándar en los teléfonos inteligentes modernos, mucho menos en los electrodomésticos y las redes eléctricas de la ciudad. Sin embargo, un solo niño riendo puede iluminar todo un vecindario. Claramente, los niños no son tóxicos al tacto, pero de ninguna manera son inofensivos, y mucho menos seguro tenerlos cerca sin medidas de protección.

El subtexto puede parecer ser que las vibraciones positivas (risa) son más «poderosas» que las emociones negativas (miedo), por lo que vale la pena que todos apunten a las risas. Pero el mensaje para los padres podría leerse con la misma facilidad: odiamos cuando sus hijos lloran, pero es aún más perturbador cuando comienzan a reír y gritar de alegría. De cualquier manera, los niños deben callarse y aprender a respetar su entorno, y hacer su ruido en condiciones privadas y controladas.

¿Por qué más las autoridades de monstruos prohibirían a Sully contactar a Boo nuevamente al final de la película? El universo de los monstruos simplemente no puede arriesgarse a dejar que los niños se vuelvan locos, incluso si se necesita más que el contacto físico para desatar el día del juicio final.

La conclusión de Pixar aquí es que los niños pueden ser un recurso valioso, pero eso no les da licencia para salir como miembros reales de la sociedad.

6. Valiente: los niños son inmunes a las consecuencias y al castigo no físico

Bravo

Pixar explica bastante bien lo que piensan de los niños pequeños en la narración inicial de esta película.

El comentario de Mérida establece su relación con su madre y, por extensión, las convenciones sociales de su comunidad, para que el resto de la narrativa pueda ayudarla a cambiar a ambos y convertirse en una adulta responsable y autónoma.

En cuanto a sus hermanos, los describe básicamente como lo contrario: anarquistas que se ríen de las leyes de la sociedad y de las condiciones para la pertenencia a la comunidad, y que «se salen con la suya».

Cuando la madre de Mérida se convierte en oso, vacila entre el comportamiento humano y el oso, tratando de aferrarse a su humanidad (y papel maternal) mientras corre contra el reloj para deshacer el hechizo. Cuando los hermanos de Mérida son transformados por el mismo hechizo, simplemente se ven diferentes, pero se comportan como siempre.

En lo que respecta a Pixar, los tres chicos son esencialmente iguales en ambos sentidos: destructivos, traviesos, con apetitos insaciables y sin interés real en jugar según las reglas, las convenciones o la decencia humana básica. Mientras que su madre corre el riesgo de perder su humanidad para siempre, los tres ositos son indistinguibles de lo que eran antes, salvo un poco más de pelo y dientes.

El arco principal de la historia se centra en cómo una pequeña rabieta adolescente puede convertirse en algo mucho más serio. Sin embargo, en estas condiciones, Mérida está a la altura de las circunstancias, salvando a su madre y su relación, además de aceptar los límites de su propia libertad personal como un compromiso necesario para ser miembro de su comunidad. Para los niños más pequeños, eso simplemente no está en las cartas.

Mientras Mérida crece como individuo, el final de la historia es el mismo que el comienzo en lo que respecta a estos pequeños mocosos. Ella gana agencia, así como un respeto mutuo recién descubierto con su madre, y generalmente sale de todo esto como un miembro más maduro y dispuesto de la sociedad. Sus hermanos, presumiblemente, no aprenden nada, porque a diferencia de los niños en la mayoría de las otras películas de Pixar, estos niños nunca reciben ningún castigo, y nadie los asusta ni se controla. Sin el tipo de trauma que encontraron Sid o Darla, Pixar aparentemente no puede encontrar la manera de hacer que los niños cambien de rumbo.

5. El buen dinosaurio: los niños se parecen más a las mascotas que a las personas

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Este comienza con una premisa novedosa: ¿qué le habría pasado al mundo si los dinosaurios nunca se hubieran extinguido? La respuesta es, entre otras cosas, que los niños humanos serían poco más que perros de compañía para las especies dominantes del planeta, y eso parece ser lo mejor.

Es una historia sencilla con una agenda sencilla. The Good Dinosaur muestra al mundo lo que Pixar ve como la verdadera naturaleza de los niños, sin todas las trampas y el camuflaje de la sociedad desarrollada. Estos niños son animales primitivos, inmundos, capaces solo de emociones básicas y totalmente dependientes del cuidado de seres más complejos e inteligentes.

Ni siquiera es un subtexto aquí. El dinosaurio titular busca compañía, coraje y, por supuesto, su propia familia, pero mientras tanto se conforma con una mascota. Las mascotas, después de todo, son una gran puerta de entrada para aprender a ser responsables, y el niño salvaje, junto con algunas travesuras clásicas de las road movie, ayuda a Arlo a convertirse en un adulto al obligarlo a tomar decisiones difíciles y poner las necesidades de otra persona por encima de las suyas en veces.

Una vez que el viaje de la mayoría de edad se completa para Arlo, reconoce que su antigua mascota y compañero ya no le pertenecen, y debería volver a vivir con los de su propia especie. Es posible que hayan sido amigos, pero en última instancia, Arlo está desarrollando la confianza y las habilidades sociales necesarias para prosperar entre los de su propia especie, mientras que su mascota humana solo actúa por instinto y sigue tontamente a su maestro.

Si bien las otras películas de Pixar usan la estructura de comedia de amigos para unir dos personajes no coincidentes pero esencialmente iguales, esta vez el estudio aparentemente decidió que incluso los animales antropomórficos son fundamentalmente más identificables y capaces de llevar una narrativa que un niño. Entonces, en lugar de dos amigos reacios, básicamente obtenemos un hombre y su mascota (prescindible).

Básicamente, un niño puede ser una buena alternativa a la soledad y el aislamiento, pero en última instancia es más un proyecto que un socio legítimo.

4. Los Increíbles: Lo único peor que un niño es un niño aún más joven

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En la primera incursión de Pixar en el género del cómic / superhéroe, los escritores decidieron que el villano definitivo es solo un sabio adorador de héroes que nunca crece realmente.

Cuando primero Conoce al futuro villano de Los Increíbles, es solo un niño desagradable, aunque precoz, que no quiere nada más que vivir su fantasía de ser un superhéroe, Incrediboy, al igual que su ídolo, el Sr. Increíble. Solo en este punto, no está explícitamente claro que Incrediboy está destinado a una súper villanía. Entonces, cuando Mr.Increíble es brusco y despectivo con su mayor fan, parece que la reacción natural al tipo de plaga que claramente es este niño.

La próxima vez que lo veamos, seguirá haciendo exactamente lo mismo, solo que como adulto, y llamándose a sí mismo síndrome–Un supervillano que intenta convencer al mundo de que es el último superhéroe. Por un lado, parece que Mr. Increíble tenía razón al no aceptar a Incrediboy como su compañero (o “pupilo”, lo que sea que se suponía que implicara…), ya que Incrediboy causó más problemas de los que resolvió con sus geniales inventos. Sin embargo, Mr. Increíble no puede ganar, porque el hombre-niño que es Syndrome ha pasado su vida usando todas sus habilidades y conocimientos en un esfuerzo por vivir la fantasía juvenil que sintió que le habían negado.

Y su talento para inventar no ha madurado más que su rango emocional o sus habilidades sociales. Casi tan pronto como pone su gigantesco plan de robot mortal en acción, funciona mal, al igual que su primera salida como Incrediboy, y depende del Sr. Increíble salvar el día. Hasta ahora, Pixar parece estar diciéndonos que los niños siempre están causando (o agravando) problemas, incluso cuando intentan ayudar. Depende de los adultos limpiar después de ellos. Pixar también parece estar enfatizando que la única ocupación respetable para los niños es crecer muchísimo, como Buddy / Incrediboy claramente no lo hicieron.

Pero el comentario anti-niños de Pixar toma una nueva capa después de que todas las peleas parecen haber terminado, y Mr. Increíble, junto con sus amigos y familiares, salen victoriosos.

Syndrome hace un último esfuerzo para fastidiar al Sr. Increíble y secuestra a su bebé. En lo que Pixar aparentemente considera la forma suprema de justicia irónica, ese niño se vuelve loco por el Síndrome, lo que finalmente lo lleva a su muerte ardiente. Syndrome no solo no se manifiesta como superhéroe o como una némesis efectiva de Mr. Increíble, sino que Mr. Increíble ni siquiera da el golpe final para derribarlo.

Al igual que combatir fuego con fuego, la bala de plata para eliminar a un supervillano infantil de Pixar es solo otro niño. Nada detiene una rabieta como tener un personaje aún más infantil y, sin aparente autoconciencia o control objetivo de sus acciones, provocar un alboroto aún más volátil con su propia rabieta respectiva.

3. De adentro hacia afuera: todas las personas apestan, pero especialmente los jóvenes

riley

Cuantas más películas hacen con personajes humanos, más parece que Pixar odia a todos los humanos, pero especialmente a los más jóvenes.

En lo que respecta a la trama de Inside Out, lo que está en juego en el mundo real es bastante bajo (una chica se escapa de casa, pero luego no lo hace), pero la mecánica del cerebro de Riley demuestra que, en lo que respecta a Pixar, la decisión -La creación de los jóvenes está dominada por el impulso, la fantasía, la irracionalidad y frecuentes fallas sinápticas.

Durante los breves destellos que nos adentramos en la sede mental de los personajes adultos, vemos que las emociones y la maquinaria cognitiva funcionan sin problemas, si no de manera eficiente. El padre de Riley vive en una serie de repeticiones constantes de los carretes destacados de deportes, alternando entre el olvido y la capacidad de respuesta a su familia. La mamá de Riley, aparentemente, está sufriendo pacientemente una vida de insatisfacción y frustración con su esposo. Mientras tanto, Riley es aparentemente un modelo de inseguridad, cayendo a pedazos el momento ella comienza a ver que sus recuerdos antes felices se tiñen de tristeza.

Y no es hasta que Riley comienza a tener arrebatos que las mentes de sus padres comienzan a reaccionar salvajemente, desesperadamente y, a menudo, de forma inapropiada. Se la presenta como la principal fuente de discordia en el autocontrol emocional de sus padres.

Las apuestas bajas y los personajes simplistas de la película parecen diseñados deliberadamente, no solo para hacer que los procedimientos sean más identificables, sino para sugerir que Pixar piensa: «Así es como son todas las personas». Por extensión, la destrucción cataclísmica de la personalidad de Riley a través de la disolución de sus recuerdos, que culmina con un cierre emocional completo después de una serie de arrebatos maníacos, parece que Pixar dice: «Así son todos los niños».

Dado el hecho de que toda la acción hasta la «resolución» final tiene lugar en el transcurso de menos de una semana, los escritores realmente están dejando la puerta abierta para que Riley tenga este tipo de crisis de identidad emocional casi 52 veces. un año. El hecho de que Joy narra la historia parece ajustarse a la definición de un narrador poco confiable. Joy, incluso por su propia cuenta, es incapaz de adoptar un enfoque remotamente matizado de cualquier cosa: solo presiona un botón para operar a Riley. Entonces, hacer que ella comience una historia diciendo, esencialmente, que todo ha sido genial hasta ahora, y parece que esto fue solo un contratiempo en que todo fue genial para siempre, parece más que un poco sospechoso.

Pixar escribieron los adultos como drones, navegando lentamente por sus vidas bajo la influencia primaria de una sola emoción, y relegando toda la toma de decisiones a ese impulso. Al retratar la mente de Riley como una mezcolanza de impulsos emocionales que compiten por el control (y de diversas formas ganar y perder ese control), Pixar proyecta a todos los jóvenes como perpetuamente propensos al mal funcionamiento y fomenta la confusión posterior entre las mentes de sus padres mientras intentan reaccionar e interpretar. apropiadamente el mosaico aleatorio de conductas de sus hijos.

2. WALL-E: La infantilidad es la ruina de la humanidad

capitán

A primera vista, los niños no parecen figurar demasiado en la trama de WALL-E. Pero Pixar telegrafia varias veces que la disolución final de la humanidad proviene de su lenta regresión a bebés gigantes.

Si bien parece que toda la historia fue escrita como una advertencia para promover el ambientalismo, los cineastas expresan muy claramente que el problema con la Tierra y toda la humanidad no es solo que descuidamos nuestro planeta, es que permitimos que los robots se enfrenten el papel de los padres, mientras que todos retrocedimos colectivamente a la niñez.

La más obvia es la escena que transmite esto es aquella en la que el el capitán del barco debe valerse por sí mismo–Según todos los indicios, por primera vez en su vida– y, como un niño de verdad, intenta alcanzar los controles de la nave. Esto tampoco es solo una broma de usar y tirar. Sucede justo en el clímax de la película, cuando el personaje principal está en mayor peligro.

Por mucho que la película apunte a la cultura del consumidor, también grita, «eres un gran bebé tonto» en todos sus personajes humanos. Toda la flota es demostrado ser completamente automatizado, con todos los deseos y necesidades de los pasajeros humanos atendidos por los robots paternalistas y los sistemas de inteligencia artificial que mantienen todo junto, exactamente de la manera en que los padres, en opinión de Pixar, permiten constantemente a sus pequeños mordedores de tobillo correr como locos en el mundo, sin hacer caso líos que dejan atrás o la carga de trabajo que crean para todos los demás.

La única vez que aparecen bebés reales, queda claro que sus vidas no son demostrablemente diferentes de las de los adultos. Son mimados, regordetes y esencialmente inútiles, incapaces de hacer nada por sí mismos y solo poseen un control mínimo de sus extremidades. Carecen de autocontrol, conciencia de sí mismos, habilidades sociales básicas más allá de «Yo quiero» y «Necesito», y son propensos a causar todo tipo de caos cuando se dejan desatendidos por un período de tiempo.

El personaje principal es el sustituto definitivo del padre subestimado y con exceso de trabajo. Mientras los niños están afuera jugando y divirtiéndose (en el barco), WALL-E está atrapado en su casa (Tierra), literalmente limpiando después de ellos, para que cuando regresen puedan, presumiblemente, estropearlo todo de nuevo. mientras les sirven la cena.

El comentario no es solo que los humanos deberían dejar de estar tan preocupados por la tecnología y ser tan derrochadores de hedonistas. Es que cuanto más dependemos de la tecnología, más actuamos como niños. Y aparentemente nada es peor para el planeta que todos actuando como niños pequeños, porque Pixar odia a los niños.

1. Arriba: Los niños son la fuente de toda la infelicidad, incluso si nunca la tienes

Russell

El público se enamoró de Up en gran parte debido a la increíble emoción y la bella representación secuencia de apertura, que cuenta la historia de toda la vida de una pareja. La narración simple, desgarradora y sin palabras de esta secuencia configura la historia principal, así como el personaje principal gruñón y abatido de una manera que pocas películas logran hacer. Pero aún más importante, hace que la escena hacia el final de la película, cuando Carl redescubre el diario de su esposa, aún más poderoso.

El mensaje de la película, a juzgar por estas dos escenas icónicas, es que Carl pensó que de alguna manera había decepcionado a su esposa, Ellie, y no pudo compartir con ella la vida que siempre había deseado. Pero descubre que la vida con alguien a quien amas es siempre una aventura, y todo lo que ella realmente quería después de todo.

El subtexto, sin embargo, es un poco menos afirmativo cuando se toma a la luz de la omnipresente vergüenza de Pixar. Lo que cambió las reglas del juego es que todo estaba bien hasta que Carl se dio cuenta de que su esposa quería bebés, muchos bebés, solo para luego enterarse de que, por alguna razón, no podía tener hijos propios. Esto marca la primera nota discordante en el resumen musical de la relación de Carl y Ellie, y parece iniciar la búsqueda de la compensación excesiva de Carl que lo lleva a Paradise Falls.

La mera idea de los niños parece haber cegado a Carl por el resto de su vida con Ellie. En lugar de tomar todos los impedimentos posteriores a sus aventuras con calma, parece estar llevando la cuenta de todas las veces que decepcionó a Ellie, y cada vez está más desesperado por compensarlo todo. Se tropieza con el retiro y la soledad, enojado con el mundo, todo porque cree que su matrimonio fue una serie de reveses y decepciones. En lugar de aprovechar al máximo su tiempo juntos, la película indica que él reflexionó sobre este supuesto vacío de satisfacción hasta que murió su esposa, y luego, contando todas las oportunidades perdidas en su libro de aventuras, y nunca mirando más allá de estas páginas para ver lo que ella había registrado de sus vidas reales, sin fantasía.

Por lo tanto, pasa el resto (y la mayor parte) de la película tratando de compensar, comenzando en la página uno. Obviamente, para cuando ella muere, es demasiado tarde para compensar el no tener hijos, por lo que, en cambio, se entrega al único otro sueño no realizado que todavía parece estar a su alcance: mudar la casa a Paradise Falls.

En el transcurso de este viaje, poco a poco se acerca a Russell, el compañero-compañero residente de Tagalong y Boy Scout, a quien la película deja dolorosamente claro que necesita desesperadamente una figura paterna, y claramente ve que Carl lo está cumpliendo. Mientras tanto, Carl finalmente lee la totalidad del libro de aventuras de Ellie y decide dejar atrás toda la fantasía de Paradise Falls para pasar más tiempo con su nuevo amigo / hijo adoptivo, Russell.

Pero la peor parte es que no podemos estar seguros de que realmente haya aprendido la lección, porque una vez que aparentemente ve que la aventura de la vida es lo que haces y que dejar entrar a otras personas todavía vale la pena, se queda atascado jugando a la figura paterna para Russell. Podría estar haciéndolo porque ha aprendido a apreciar genuinamente la compañía de Russell y le gusta compartir los placeres de su propia infancia con una nueva generación. Pero nunca lo sabremos, porque la película también deja en claro que hay algunos problemas serios con los padres tanto con Russell como con Carl, y que no importa lo que Carl piense de la relación, al menos el 50% de los miembros ven que es. algo cercano a padre-hijo.

¿Se está compensando por haber malinterpretado todos los mejores momentos de su matrimonio, o todavía está tratando de compensar el hecho de que nunca tuvo hijos con Ellie? Nunca lo sabremos, y tal vez, solo tal vez, ni siquiera él mismo pueda notar la diferencia. Pasó gran parte de su vida equiparando a los niños con el primer paso hacia la realización que no puede pasar los años que le quedan de otra manera.

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