Las 10 mejores películas que ensucian tu mente

A veces, es satisfactorio tomarse un descanso de las películas formuladas. No lo malinterpretes, ningún fanático del cine que valga la pena está por encima de los placeres de una escena de acción cinética o de un romance desvergonzado. Aún persiste el atractivo de la novedad de una experiencia cinematográfica que te hace intentar reflexionar sobre sus símbolos, técnica y complejidades, y quizás proporcionar una nueva perspectiva memorable para que el espectador se la lleve.

Ahora, dejemos también en claro: esta tampoco es una lista sobre tonterías arbitrarias. No se necesita arte para eso. Un algoritmo informático puede escribir un guión donde suceden cosas superficialmente artísticas. Como sucedió, se dijo que al menos uno había escrito un comercial a estas alturas (aunque eso resultó probablemente no sea verdad.) Se trata de películas que tienen estructura y cuando los creadores rompen las reglas de realización de películas, es con un propósito en mente.

10. Borrador

La interpretación más popular de la primera película de David Lynch de 1978 es que trata sobre un trabajador de una imprenta en un pueblo desolado llamado Henry Spencer que accidentalmente deja embarazada a su novia Mary, y tienen un bebé deforme inhumanamente. La razón por la que esa es solo la interpretación más popular es porque Lynch ha dicho explícitamente en entrevistas que en las décadas siguientes nadie se acercó a precisamente interpretando su sombrío debut (ha dicho que el verdadero significado pretendido tiene algo que ver con la Sagrada Biblia, pero eso es tan revelador como se ha vuelto).

Entonces, ¿qué sigue atrayendo a la gente a intentarlo? Debido a que la película de Lynch no solo tiene la estructura flexible de una historia comprensible aunque sombría, también tiene burlas para la audiencia que parecen jugar con lo abstractas que son ciertas escenas surrealistas. Por ejemplo, durante una escena en la que Henry se encuentra con la madre de su novia, hay un chirrido fuerte y desagradable en gran parte de la escena, lo que deja al espectador ansioso por lo que es ese ruido y lo que podría significar … luego revela que es un ruido benigno. camada de cachorros. Más tarde, cuando Mary deja a Henry, hay una escena extendida en la que ella juega con el borde de la cama mientras Henry está acostado en ella. Está enmarcado desde el punto de vista de Henry, por lo que no podemos ver lo que está haciendo, y hemos visto suficientes imágenes surrealistas con sonidos siniestros que podría ser cualquier cosa. Continúa por un extendido deliberadamente período de tiempo. Luego, con un pop, saca su maleta de debajo de la cama. el truco de Lynch era saber que solo mostrar cuadros desgarradores sería desagradable, y que incluir algo de comedia y agradables sorpresas haría que la película fuera menos predecible, una de las claves de su intriga que durará décadas.

9. La tierra de Van Diemen

Esta película de 2009 se basa en hechos reales y se esfuerza por tratarlos con el debido respeto. Sigue a una banda de ocho convictos enviados a una colonia penal en la isla de Tasmania, el líder de facto Alexander Pearce fue enviado desde Irlanda por robar seis pares de zapatos. En 1822, el grupo se separó de los asentamientos del lado oriental de la isla. En el duro desierto de Tasmania, desesperados tuvieron que recurrir al canibalismo. A pesar de la situación de pesadilla, el director Jonathan Auf Der Heide se aseguró de contener la violencia y la sangre para evitar hacer una película de explotación. Sin embargo, durante su estreno, varios miembros de la audiencia vomitado y otros se desmayaron ante la película. Es de suponer que se trataba de personas que en 2009 habían visto muchas más imágenes gráficas. ¿Cómo fue que la película de Auf Der Heide tuvo un efecto tan extremo accidentalmente?

Según el director, el truco al que se metió de alguna manera fue minimizar la violencia. La falta de gráficos, imágenes intensificadas y efectos especiales eliminaron parte del efecto de distanciamiento que inevitablemente tiene alguna técnica cinematográfica. Como dijo, «… cuando se convierte en realidad, el asesinato puede ser mundano, torpe y feo». No es que la moderación de la dirección en sí misma sea la solución mágica para que una película llegue a la audiencia a un nivel visceral, pero funcionó maravillas involuntarias aquí.

8. Una historia de fantasmas

Esta película de 2017 escrita y dirigida por David Lowery puede ser la película más polarizante incluida en esta lista, con una gran brecha entre el consenso de la crítica y la audiencia en sitios como Tomates podridos por ejemplo. La historia es que muere el personaje de Casey Affleck conocido sólo como «C», su fantasma (que se representa literalmente como el actor debajo de una sábana) acecha la casa de su pareja «M» interpretada por Rooney Mara. “M” no sabe que “C” está ahí, trata de soportar el proceso de duelo y finalmente abandona su casa, pero “C” no puede irse con ella. Atrapado en la casa, eventualmente se derrumba a su alrededor. Luego, el tiempo gira y «C» se encuentra no solo obsesionando a «M» por un tiempo, sino a sí mismo.

El aspecto más memorable de la película es cómo juega con el paso del tiempo. La película reproducirá eventos que están destinados a tener un peso emocional particular en tiempo real, y momentos en los que los personajes se sienten entumecidos o desconectados fluyen por mucho mas rápido. Con mucho, el ejemplo más destacado de esto es una escena en la que M se come la mayor parte de un pastel. Para cuatro minutos en una sola toma, oscuramente iluminada, donde Mara está sentada en el suelo. En lugar de solo mostrar unos segundos de atracones para hacer entender el punto, Lowery se demora para que, por turnos, se vuelva deprimente, incómodo, luego repugnante y angustioso. Convierte la tristeza del dolor de algo que puede tener algún tipo de estética en esencialmente una tortura para todos los involucrados, incluida la audiencia. Ver a la actriz comerse el pastel en tiempo real le permite a la audiencia saber que la actriz realmente lo hizo en lugar de usar la edición para facilitar la escena. No hay que culpar al público si prefiere hacer cualquier cosa con su tiempo en lugar de ver eso, pero la elección creativa claramente tocó la fibra sensible de muchos.

7. Entra en el Vacío

La trama de esta película es esencialmente la simplicidad misma. Un traficante de drogas de bajo nivel llamado Oscar vive a raíz de un trauma infantil severo. Va a hacer una venta, la policía allana el sitio de la transacción, trata de asustarlos diciendo a través de una puerta cerrada que tiene un arma, y ​​en consecuencia es baleado. Como resultado, las vidas de su hermana y sus colegas se salen de control.

Pero lo que tendrá un impacto en un espectador muy probablemente no sea su historia o personajes. Así es como Gaspar Noe cuenta su historia de 2009 de manera tan inmersiva desde la perspectiva de Oscar, completa con mostrar lo que Oscar ve, lo que tropieza en DMT y sus visiones de muerte. Casi todo desde un punto de vista literal en primera persona, incluso mientras se desplaza de su cuerpo al horizonte de Tokio bañado por neón. Se desplaza por encima de las escenas de su hermana conectándose con el gerente de un club (lo que resulta en un embarazo no deseado) y uno de sus socios se convierte en un basurero que busca a un sin techo. También viaja al pasado y ve el accidente automovilístico que dio forma a su vida y terminó con su idílica vida familiar. Hay varias escenas que son simplemente luces estroboscópicas intermitentes a los ojos del público, como para simular el efecto de “luz al final del túnel” cuando la corteza cerebral se apaga. El mismo Noe trató inusualmente de eliminar toda ambigüedad del final, diciendo en un tono entrevista que todos los eventos en la película después de que le dispararan a Oscar son alucinaciones y que mientras escribía la película era completamente religioso. Pero cualquiera que sea la visión de la vida de un miembro de la audiencia, proporciona una visión muy convincente de entrar en la otra vida y la reencarnación.

6. Azul

Hay muy, muy pocas películas que sean más minimalistas que la película de 1993 de Derek Jarman. Eso no quiere decir que no pase nada en él. La banda sonora está llena de narración a cargo del director, Nigel Terry, y Tilda Swinton donde el protagonista especula sobre las cosas que ver, sus vivencias, su tratamiento médico, rechazando todos los actos de superficial caridad y piedad que se le han extendido. Pero todo lo que hay que ver a lo largo de toda la película es una pantalla azul ininterrumpida. Eso es porque cuando lo estaba haciendo, Derek Jarman se estaba muriendo de SIDA y su visión tenía destellos de luz azul intermitentemente mientras se quedaba ciego por daño en la retina.

El Washington Post dijo que el efecto de verlo fue «un ataque inquebrantable de asfixia». También describió cómo el efecto fue en un momento «nauseabundo», y teniendo en cuenta que en el momento en que lo estaba haciendo, Jarman se describió a sí mismo como un «laboratorio ambulante» de todas las píldoras que estaba tomando, incluidas las experimentales, entonces eso significa que ciertamente obtuvo algunos espectadores para relacionarse. El independientemencionó mientras lo veía, los «ojos te juegan una mala pasada», lo que indica que también impartió al menos un poco de su propio espacio mental alucinatorio.

5. Sátántangó

La película de 1994 del director húngaro Bela Tarr suena como el montaje de una novela que escribiría John Steinbeck. Una comunidad agrícola (una antigua granja colectivista, ya que basado en una novela de 1985 escrita en la Unión Soviética) ha recibido un subsidio del gobierno. Desde criminales empedernidos hasta niños mayores abusivos, vemos las diversas formas en que la astucia toma las partes del dinero en efectivo de los desprevenidos. La pelicula se alarga siete horas y media con un reparto mucho más pequeño de lo que normalmente implicaría una película como esa (a menos que cuentes a las vacas como miembros del reparto) pero como está convenientemente dividido en doce partes, verlo es más parecido a ver una miniserie.

El compromiso de tiempo no es el aspecto que suena más desalentador de Sátántangó para los no iniciados. Esta película muestra sus diversas subtramas principalmente en tomas muy largas que a menudo equivalen a viajar de un lugar a otro a pie, o incluso caminar alrededor de edificios. Además, ciertas escenas se reproducen desde diferentes puntos de vista. ¿Suena aburrido? Para muchos lo será. Pero también tiene el efecto de eliminar cualquier sensación de singularidad en el entorno rural ruinoso. A pesar de que las imágenes están filmadas en blanco y negro nítido, presentan caminos embarrados y chapoteando. El efecto es que estar dentro de la aldea puede parecer tan opresivo e incómodo para el espectador que se vuelve insensible a la maldad de los muchos ladrones. Incluso crímenes tan severos como el de una niña que se entera de que sus compañeros la engañaron para que enterrara su dinero y responde yendo a casa para abusar de su gato se vuelven mucho más, si no exactamente comprensivos, al menos más comprensibles. Es probable que los espectadores salgan completamente desengañados de cualquier idea que tuvieran de la vida rural pastoral.

4. La Matriz

Oh, ¿esperabas que esta lista solo incluyera películas de arte / culto? De ninguna manera, el éxito comercial no es una barrera para una técnica eficaz. Si bien seguramente muchos otros han comentado a muerte sobre su uso de la estructura, el color, etc. de Hero’s Journey en 2017 vlogger Patrick Willems compartió con Internet una observación novedosa. Era un método simple pero altamente efectivo que usaban los Wachowski para mantener a la audiencia insegura: mezcla de sonido durante las transiciones de escena.

Por ejemplo, durante la escena donde el protagonista Neo es interrogado por el villano Agente Smith y un dispositivo de rastreo cibernético modelado después de que un cangrejo de río es puesto en su ombligo mientras Neo grita, el mismo tipo de grito que hace Neo cuando se despierta en la cama. Esta combinación de edición y mezcla de sonido imita una escena anterior en la que Trinity le presenta a Neo la idea de ingresar a un nuevo mundo en un club, e inmediatamente después de que se despierta. Pero en la mezcla de sonido, la partitura cambia de ritmo y tono para parecerse al zumbido de un despertador antes de pasar en la cama a la siguiente escena, lo que ayuda a vender la noción de que la escena anterior era un sueño a través del sonido conectado y establece un patrón en la película. Es una ilustración perfecta de cómo las películas necesitan establecer reglas y marcos si el cambio en el flujo de eventos va a tener un significado para el público y cómo incluso los métodos de filmación más sutiles pueden ser importantes.

3. El resplandor

Desde 1980, la mística de la adaptación cinematográfica suelta de Stanley Kubrick de la historia de terror de Stephen King en el Overlook Hotel solo ha aumentado. Sus escenas características de horror manifiesto (los misteriosos gemelos, la puerta que se abre con un hacha, la sangre del ascensor, etc.) se han discutido extensamente y, en este punto, se han parodiado o parcheado aún más a menudo, como en el éxito de taquilla de 2018. Ready Player One. Últimamente, sin embargo, ha surgido una creencia que da crédito a la efectividad de la película por algo aparentemente trivial. Es la presencia de errores de continuidad.

Tras el documental de Rodney Ascher de 2013 Sala 237, estos errores se han convertido en un tema relativamente candente en los círculos cinematográficos. Uno de los principales errores es la imposibilidad física del Overlook Hotel como lo señalan los videos de Rob Ager (quien se dio cuenta porque su amigo estaba tratando de crear un nivel de fan en el videojuego Duke Nukem para parecerse al Hotel Overlook). Por ejemplo, para la entrevista al comienzo de la película, la oficina en la que se lleva a cabo tiene una ventana al exterior. Sin embargo, en la película, al comparar la ubicación de esa oficina con los pasillos por los que pasa el protagonista Jack Torrance, queda claro que la oficina está completamente rodeada por el edificio. La ventana es «imposible», como dijo Ager. Otro error significativo es que Grady, el cuidador anterior que mató a su familia en un suicidio por asesinato antes de los eventos de la película, se llama Charles Grady al principio pero se llama Delbert Grady más adelante, lo cual es un error bastante extraño para todos los involucrados en la producción. Agrega a un tema sugerido por la toma final de la película que de alguna manera estos personajes se han reencarnado y visitarán este hotel una y otra vez a lo largo de los años.

Si todo esto fuera intencional, no habría sido la primera vez para Kubrick. En A Clockwork Orange, durante la escena en la que el protagonista Alex DeLarge es drogado, Kubrick intencionalmente porciones de la comida colocado frente a él para desorientar a la audiencia. Ampliar esa noción de una escena a un largometraje sería bastante ambicioso incluso para sus estándares.

2. Picnic en Hanging Rock

Esta película de 1975 no solo lanzó la carrera del futuro director de The Truman Show y Master and Commander, Peter Weir. Se le atribuye haber revolucionado el cine australiano y haber realizado películas de manera efectiva desde fuerza internacional a tener en cuenta. No es de extrañar que fuera lo suficientemente querido como para ser rehecho en 2018 como un Series de Televisión.

Lo que ayuda a enganchar a Picnic en Hanging Rock es su aparente normalidad. Comienza con la clase de una escuela de fin de curso en Adelaide de 1900 y se realiza un día libre. Mientras están allí, cuatro de las chicas desaparecen. Los grupos de búsqueda posteriores no pueden encontrar ningún rastro. Un hombre intenta hacerlo solo y se queda ciego. Hanging Rock se niega siquiera a insinuar qué causó la desaparición de las mujeres o qué hizo que la investigación posterior tuviera ocurrencias tan extrañas. Luego, una de las mujeres regresa, pero no puede recordar nada de lo que le sucedió alrededor de Hanging Rock. Aparte de la partitura hipnótica del pan flautista Zamfir, también se cuenta de manera tan mundana y meticulosa que muchos creían que la historia totalmente fabricada se basaba en un misterio real inexplicable. No es de extrañar que cuando se estrenó inicialmente, a pesar de que apenas contenía violencia en pantalla, se tratara como una película de terror.

1. La batería

Nadie llamaría a esta película de 2012 una película de arte y sus creadores no aspiraban a que lo fuera. Es una película de amigos de zombies, La batería del título se refiere a un dúo de cricket que lanza y está al bate. Una de esas baterías viaja por el campo con algunos compañeros tratando de encontrar refugio. No fue un éxito masivo ni un favorito de la crítica. Su presupuesto era un miserable $ 6000. Entonces, ¿qué está haciendo en la posición # 1 en esta lista?

Porque los creadores Jeremy Gardner y Adam Cronheim dieron con una forma brillantemente simple y barata de agregar un efecto subconsciente a su película a través de infrasonidos. Los infrasonidos son un tipo de ruido blanco que suele estar fuera del alcance del oído humano consciente. Máquinas como acondicionadores de aire, generadores y cualquier otra cosa que produzca un 19 hz o sonido más bajo. Debido a que se registran de manera subconsciente, brindan un estímulo que a menudo pone a los humanos al límite sin saber por qué, lo que se aprovechó considerablemente para la mezcla de sonido de esta película. Simplemente demuestra todo el arte y la inteligencia que muchos directores intentan poner en sus películas. Las personas siguen siendo personas y susceptibles a los trucos más básicos.