Las 10 principales teorías cinematográficas que podrían cambiar la forma en que miras películas

Desde los primeros días del cine, ha habido escritos filosóficos sobre el medio, pero a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970, comenzó a moverse hacia la academia. Al ser un discurso relativamente nuevo, la teoría del cine a menudo toma prestadas teorías de otras disciplinas como la literatura, el psicoanálisis y los estudios de género y las impone al cine. Estas son diez de las teorías más famosas e interesantes que se han desarrollado a lo largo de la breve historia de la teoría del cine.

10. La bomba debajo de la mesa

Ampliamente considerado como el maestro del suspenso, Alfred Hitchcock tenía una teoría interesante sobre cómo se construye el suspenso. Estaba hablando con el famoso director y pionero de la teoría del cine, François Truffaut, frente a una audiencia y le dijo a Truffaut fingir que había una bomba debajo de la mesa. Mientras la audiencia los veía hablar, no sabrían que la bomba estaba allí y cuando explotara, los sorprendería. Pero, ¿qué pasaría si el público supiera que una bomba que detonaría a la 1:00 estaba debajo de la mesa? Quizás estaban al tanto de ver a alguien colocarlo allí antes de que él y Truffaut se sentaran. Si hubiera un reloj en el escenario y marcara, acercándose cada vez más a la 1:00, la conversación en el escenario sería más interesante y crearía ansiedad en los miembros de la audiencia. Hitchcock dice que el segundo caso es el suspenso. También dice que la bomba desconocida son 15 segundos de emoción, pero que la audiencia conozca la bomba son 15 minutos de suspenso.

9. Códigos narrativos

El lingüista francés Roland Barthes comparó un texto, como las películas, con una bola de hilo que necesitaba desenredarse. Una vez hecho esto, se verá completamente diferente a la bola original. Además, dijo que no todas las pelotas son iguales. Algunas son «abiertas», lo que significa que se pueden desenredar de muchas maneras y otras están «cerradas», lo que significa que solo hay una forma de desenredar la pelota. Así son las películas; algunos están abiertos a significados plurales, mientras que otros solo tienen uno.

Esto lleva a sus cinco códigos narrativos que son formas de desentrañar una película. Dos ejemplos de cómo funcionan los códigos son imaginando ellos como lentes de colores y diferentes personas hablando. El uso de lentes para mirar un objeto cambia su vista del objeto, pero el objeto en sí no cambia. El segundo ejemplo es imaginar que cinco personas diferentes te están hablando al mismo tiempo. Los códigos narrativos le permiten escuchar a una sola persona hablando a la vez.

Los códigos son Hermenéutico, Proairético, Semántico, Simbólico y Cultural. El código hermenéutico busca un significado oculto en una película y trata de resolver cualquier misterio que no se resuelva de inmediato. Proairetic es simplemente mirar la película y preguntarse qué pasará a continuación y comprender que cada acción conduce a otra acción. El código semántico es un poco difícil de explicar porque Barthes no da una definición, pero involucra «semes», que connotan cosas. Por ejemplo, «John es rico y le gusta conducir rápido», podría decirse como «John conduce un Ferrari». El código simbólico está destinado a buscar simbolismo en la película; por ejemplo, un anciano y un joven están sentados en un banco, el espacio intermedio podría representar la vida. Por último, está el código cultural, que implica referencias a cualquier cosa ajena a la película, como la cultura, la ciencia y la historia.

8. Violación de la distancia estética

La teoría de la distancia estética es la medida de que tan emocionalmente involucrado un espectador obtiene una obra de arte, como una película o un libro. Por ejemplo, si una película puede mantener completamente el interés de un espectador y el espectador se involucró emocionalmente en la película, entonces la película tendría una distancia estética baja. Evidentemente, muchos cineastas quieren tener una distancia estética baja porque quieren que los espectadores se sumerjan en la película. Lo interesante es lo que teorizó el famoso guionista David Mamet sobre la distancia estética. Según Mamet, la violencia intensa en las películas viola la distancia estética porque alejará a la gente. Argumenta que un espectador tendrá desprenderse para cuestionar si lo que vieron fue real o no, lo que significa que tendrán que pensar en lo que están viendo como película y no experimentarlo a baja distancia estética. Sin embargo, el argumento en contra de la teoría de Mamet es que muchas de las películas más queridas de todos los tiempos, como El Padrino, Buenos amigos, Cadena perpetua, y Pulp Fiction todos tienen representaciones de violencia gráfica.

7. Orientalismo

Orientalism es un libro de 1978 de Edward Said, profesor de inglés de la Universidad de Columbia. Said creció en El Cairo y Jerusalén, asistiendo a escuelas británicas y estadounidenses. Fue a estudiar Literatura Inglesa en los Estados Unidos donde se graduó en Princeton y luego logró su doctorado en Inglés en Harvard. El orientalismo es la teoría de Said de que el mundo occidental tiene un percepción condescendiente de Oriente y a menudo se manifiesta en el arte. Su afirmación es que Occidente, como América del Norte y Europa, ve a los países de Asia y África del Norte como atrasados ​​e incivilizados, pero también exóticos e incluso mágicos. Sin embargo, Dijo señala esta vista es incorrecta. Él dice: “Ha habido un ataque tan masivo y calculadamente agresivo contra las sociedades árabes y musulmanas contemporáneas por su atraso, falta de democracia y abrogación de los derechos de las mujeres que simplemente olvidamos que nociones como la modernidad, la ilustración y la democracia son de ninguna manera significa conceptos simples y acordados que uno encuentra o no encuentra como huevos de Pascua en la sala de estar «.

El orientalismo comenzó con las primeras pinturas de Oriente y se extendió a otros medios. Está tan extendido que el orientalismo todavía prevalece en las películas de hoy. Películas recientes donde el orientalismo es bastante obvio son Comer Rezar Amar, Hombre de Acero, Príncipe de Persia, Niño del karate y Sexo en la ciudad 2, Sólo para nombrar unos pocos. La lección es observar cómo se representan en las películas lugares como la India y los países árabes. ¿Son algo menos que exóticos?

6. La prueba de Bechdel

Esta prueba comenzó como una broma en la tira cómica, Diques a tener en cuenta por Alison Bechdel. En una tira publicada en 1985, un personaje explica las tres reglas muy simples de la prueba. Primero es que la película debe tener dos personajes femeninos. En segundo lugar, tienen que hablar entre ellos y, en tercer lugar, tienen que hablar de otra cosa que no sea un hombre. Desde que se publicó, ha sido una forma de ver el sesgo de género en las películas y una cantidad asombrosa de películas no pasan la prueba. Y para aquellas personas que piensan que hablar de mujeres puede parecer aburrido o convertirlo en una película para chicas, simplemente algunas de las películas que pasan la prueba son Extraterrestre (que se menciona en el cómic), Morir duro, No es país para viejos, Buenos amigos e incluso el Padrino Parte II.

La prueba de Bechdel simplemente habla de los roles disminuidos a los que a veces se relega a los personajes femeninos. La próxima vez que vea una película, en cualquier género, preste atención y vea si pasa la prueba de Bechdel.

5. Teoría queer

La teoría queer surgió por primera vez en la década de 1990 y tiene algunas ramas diferentes cuando se trata de relacionarse con el cine. El primero es un examen de cómo se construye la heterosexualidad como «normal» en películas. Incluso en la época contemporánea, la homosexualidad es más común en las películas convencionales, pero su sexualidad es la forma en que se define al personaje. Por ejemplo, los personajes heterosexuales se definen por su trabajo, ingresos y otros aspectos que no tienen que ver con su sexualidad, pero los personajes homosexuales a menudo se definen única o principalmente por su sexualidad. Los teóricos también señalan la Escala de Alfred Kinsey, que argumenta que la sexualidad es fluida, especialmente más fluido de lo que se muestra en las películas.

El surgimiento de la teoría queer surgió casi al mismo tiempo que el New Queer Cinema, que incluía películas como Mi propio Idaho privado y El final vivo. Los teóricos dicen que esta ola de películas hizo que la sexualidad fuera un poco más fluida en Hollywood. Un ejemplo clásico es que Johnny Depp es una estrella de cine y su papel más famoso es un pirata extravagante que usa maquillaje. Depp es considerablemente diferente a alguien como John Wayne o Carey Grant.

La segunda rama de la teoría queer son las lecturas queer de textos y películas. Esta es la práctica de mirar películas que pueden tener un subtexto homosexual oculto. Incluso algunas de las películas más machistas, como Rebelde sin causa y Grupo salvaje tienen un subtexto increíblemente gay que puede haber sido colocado intencionalmente en la película.

4. La mirada

En 1975, la influyente revista cinematográfica británica, Screen, publicó un ensayo de la cineasta feminista experimental Laura Mulvey titulado “Placer visual y cine narrativo”. El artículo analiza el poder de lo que ella llamó «la mirada» en el cine. Mulvey argumentó que hay una sensación de escopofilia, que es la atracción por las estatuas, cuando se trata de ver películas a través de dos acciones diferentes de los realizadores. En primer lugar, está la forma voyeurista en la que la cámara enfoca a una mujer, creando “la mirada” a través de la cámara. Mulvey sugiere que la forma en que se filman las películas pone a la audiencia en la perspectiva de un hombre heterosexual y esa es la lente en la que se supone que la gente debe mirarlas; no importa cuál sea su género u orientación sexual. Este proceso es una masculinización del espectador, que puede resultar alienante para varios espectadores. También dice que al objetivar a las mujeres a través de la mirada, les resulta más fácil incluso objetivar a otras mujeres. Además de lo que le hace al espectador, también relega a los personajes femeninos a una posición menor en la película. A menudo, solo están ahí para apoyar al hombre. O simplemente están ahí para el placer visual, ya sea para el público o para los personajes masculinos de la película. Mulvey también dice que los personajes masculinos son activos, la gente los mira con admiración y empujan la trama. En cuanto a las mujeres, ralentizan la trama y solo están ahí para inspirar a los personajes masculinos. El problema que preocupa a Mulvey es que la gente lo verá pasivamente y creerá que este tipo de tratamiento en las mujeres es normal.

3. El ciclo de género

En su libro ampliamente considerado, Entendiendo la película, El profesor Louis Gianetti afirma que hay cuatro etapas esenciales cuando se trata de un género. La primera etapa es la etapa primitiva donde se establecen las convenciones. El segundo es el escenario clásico, cuando el género es rico y las convenciones de las películas son bien conocidas para que el público sepa qué esperar. La tercera etapa es la fase revisionista donde el género se mueve hacia más simbolismo que historias heterosexuales y se vuelve más estilizado. En esta etapa, los realizadores son más conscientes de las convenciones del género y los realizadores juegan con ellas. Finalmente, está la etapa paródica, que es básicamente cuando las películas se convierten en parodias. El cuarto ciclo generalmente significa que el género está perdiendo popularidad.

Un ejemplo de la teoría del ciclo de género en acción son las películas slasher. Comienza con películas como la Masacre de Texas como escenario primitivo. El escenario clásico tiene películas como Halloween y Nightmare on Elm Street. A fines de la década de 1990, conduce a Scream, que es una película revisionista y finalmente, termina con Scary Movie, que es una parodia.

2. Morfología del cuento popular

¿Alguna vez has pensado que todas las películas se sienten igual? Bueno, eso es posible porque todos pueden seguir las 31 funciones narrativas de Vladimir Propp. En 1928, Propp, un teórico ruso, publicó el ensayo «Morfología del cuento popular», que examinó el folclore ruso y descubrió que la estructura básica de cada historia es la misma y sigue 31 funciones posibles. Ninguna historia tiene las 31 funciones, pero cada historia tiene algunas de las funciones que aparecen en orden variable. en cuatro etapas. La primera etapa es la introducción, que inicia al personaje en una misión. Algunas de las funciones incluyen a alguien o algo que falta o el héroe tiene que escapar de su entorno. La segunda etapa es el cuerpo de la historia donde se identifica al villano y comienza la búsqueda. La tercera es la secuencia del donante, a menudo los héroes superan sus obstáculos y / o el villano es derrotado. La cuarta etapa, que es opcional, es el regreso del héroe.

Hay muchas películas populares que siguen las 31 funciones, como la mayoría de las películas de cómics, Guerra de las Galaxias, El Señor de los Anillos trilogía, El Harry Potter Película (s, La matriz y muchos muchos mas. Pero hay gente que no cree que las 31 funciones existan en todas las películas narrativas. Por ejemplo, una gran parte de la teoría depende de siete roles de personajes que Propp ideó y que corresponden a las funciones. Ellos son: héroe, villano, el despachador (la persona que envía a la persona a la búsqueda), el ayudante, la princesa (o el premio), el donante (un personaje que generalmente entrena o le da al personaje un objeto mágico) y el falso héroe (que intenta reclamar el crédito por la acción del héroe y / o casarse con la princesa). Así que con una película sin un verdadero héroe o villano, como La red social o Habrá sangre, dificulta que las funciones funcionen porque no hay una misión de héroe o villano que vencer.

1. Teoría del autor

Una de las teorías más famosas y populares en los estudios cinematográficos es la teoría del autor. Auteur es una palabra francesa que se utilizó antes de la década de 1950 para describir a compositores o autores. Fue utilizado por primera vez para hablar de cine en 1954 por François Truffaut, quien era un escritor de la famosa revista de cine Cahiers du Cinéma. Además de crítico de cine, Truffaut también fue director, al igual que otros escritores de la revista, incluidos Jean-Luc Godard, Claude Chabrol y Eric Rohmer. En su ensayo, “Une certaine tendance du cinéma français” (“Una cierta tendencia del cine francés”), destaca a un grupo de cineastas franceses que escriben sus propios diálogos e “… inventan las historias que dirigen”. Después de eso, la teoría fue adelantada por el crítico y director de cine francés Alexandre Astruc, quien propuso la idea de la cámara-stylo, o «cámara-bolígrafo» en 1958. Astruc argumentó que el director es más el autor de la película que incluso el guionista, que en realidad fue el autor del guión. Al final, la definición de la teoría se convirtió en “un director de cine cuya influencia personal y control artístico sobre sus películas es tan grande que puede ser considerado su autor, y cuyas películas pueden considerarse colectivamente como un cuerpo”. de trabajo compartiendo temas o técnicas comunes y expresando un estilo o visión individual «.

Ahora, mucha gente argumentará que, por supuesto, la teoría del autor es correcta. Hay varios directores que tienen su propio estilo distintivo en las películas, incluso cuando son solo directores; Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick y Martin Scorsese suelen ser los ejemplos preferidos de los autores. Dicho esto, hay personas a las que no les convence por completo. Por ejemplo, las películas son esfuerzos increíblemente colaborativos involucrando actores, directores de fotografía y guionistas. Es decir, varios artistas contribuyen a la película, entonces, ¿cómo puede una persona ser el autor? Otros argumentan que la película no existiría sin el guión. Ésta es la base de la teoría de Schreiber, que sostiene que el verdadero autor de una película son los guionistas.

Robert Grimminck es un escritor independiente canadiense. Puedes ser amigo de él en Facebook, síguelo en Gorjeo, síguelo en Pinterest o visitar su sitio web.