Los 10 directores más locos y talentosos

Algunas de las personalidades más pasadas por alto en la industria del cine son los hombres y mujeres que se sientan en la silla del director. Si bien la mayoría del público se contenta con involucrarse con las payasadas fuera de la pantalla de actores y actrices, a menudo son los directores quienes eclipsan a sus compañeros artistas en términos de excentricidades y pura locura.

Esta lista echa un vistazo a diez de estas fascinantes personalidades. Incluye a los valientes, los arrogantes, los enfermos mentales y los locos inconscientes, reunidos y clasificados según tres criterios. El primero es la naturaleza de su trabajo. Aquellos dispuestos a participar en proyectos difíciles, extraños y peligrosos ocupan un lugar más alto en esta lista. El segundo son las demandas que imponen a sus equipos de producción y actores. Cuanto más exigente sea un director y cuanto más escandalosas sean sus solicitudes, mayor puntuación obtendrá. Y el tercer y último criterio involucra sus vidas cuando no están sentados detrás de una cámara. Muchos directores tienen garrapatas de comportamiento, idiosincrasias, fobias y hábitos que influyen en su trabajo. Cuando se combinan estos tres factores, obtenemos una lista de los diez directores de cine más locos que jamás hayan hecho una película.

10. Akira Kurosawa

La carrera

Akira Kurosawa fue simplemente uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Sus treinta películas establecieron géneros e influyeron en innumerables cineastas. Su obra más famosa, Seven Samurai (1954), es una obra maestra que estableció el género moderno de acción y aventuras tal como lo conocemos y se cita con frecuencia como una de las mejores películas jamás realizadas. Su Rashomon (1951) fue una de las primeras películas japonesas en ganar atención internacional en festivales de cine extranjeros y fue pionera en una nueva estructura narrativa que se conoce como «el efecto Rashomon». Su película Ikiru (1952) es amada como respuesta humanista a It’s a Wonderful Life (1946). La Fortaleza Oculta (1958) inspiró la historia y muchos de los personajes de Star Wars de George Lucas. Y finalmente, su Yojimbo (1961) estableció virtualmente el arquetipo de personaje del “hombre sin nombre” que más tarde fue utilizado de manera más famosa por Sergio Leone y Clint Eastwood en la Trilogía Dollars.

El loco

Kurosawa era conocido como un capataz severo y un perfeccionista devoto. Su apodo era «Tenno», que en japonés significa «Emperador», lo que refleja su control dictatorial y su mando sobre sus proyectos. Hay muchas historias sobre lo lejos que haría Kurosawa para obtener la toma perfecta. Para una escena en Rashomon donde hubo una gran tormenta, hizo rociar agua con tinta desde camiones de bomberos en el set para que apareciera en las lentes de la cámara. En Trono de sangre (1957), una versión japonesa de Macbeth de Shakespeare, Kurosawa no usó flechas falsas cuando el personaje principal es ejecutado por un pelotón de fusilamiento de arqueros. Literalmente hizo que los arqueros profesionales dispararan contra el personaje principal mientras corría tratando de esquivarlos. En cualquier momento podría haberlo matado fácilmente.

También era conocido por construir sets gigantes. Uno de los más grandes fue el barrio de chabolas construido para Red Beard (1965) que costó una fortuna construir y terminó en solo una o dos tomas cortas. Otro escenario infame fue un castillo construido en las laderas del monte. Fuji in Ran (1985), que luego se prendió fuego y se quemó hasta los cimientos para una sola escena.

También se sabía que Kurosawa era exigente y, a veces, cruel con su elenco. Tenía una técnica en la que elegía a un actor en particular de un elenco y lo reprendía e insultaba especialmente. La idea era que verlo abusar de un miembro del elenco motivaría a los otros actores y actrices a dar sus mejores actuaciones. Un ejemplo fue Yoshio Inaba, quien interpretó a Gorobei en Seven Samurai. Aunque sus métodos fueron extremos, dieron como resultado algunas de las mejores películas jamás realizadas.

9. Lars Von Trier

La carrera

Este cineasta danés es uno de los artistas más controvertidos que trabajan actualmente en la industria. Comenzó a hacer películas cuando tenía 11 años y nunca ha parado. Se destaca por hacer películas extremadamente cerebrales y gráficas, como el drama del asesino en serie. El elemento del crimen (1984) y su más reciente Anticristo (2009). Su película Europa (1991), la última película de una serie de películas conocidas como la trilogía Europa, ganó el Prix du Jury en el Festival de Cine de Cannes de 1991. También fue uno de los fundadores del movimiento cinematográfico de vanguardia llamado Dogme 95, que busca purificar el cine rechazando costosos efectos especiales y otros trucos.

El loco

Por donde empezamos Sus películas son conocidas por sus imágenes increíblemente gráficas, incluido el sexo no simulado en películas como The Idiots (1998) y Anti-Christ. Su compañía, Zentropa, también fue la primera compañía cinematográfica convencional del mundo en producir pornografía hardcore. Con frecuencia hace que sus actores y actrices se desnuden frontalmente ante la cámara.

A pesar de todo esto, es un católico devoto. Su conversión al catolicismo fue uno de los puntos de inflexión de su vida, que lo inspiró a establecer Dogme 95 para poder seguir un estilo cinematográfico más honesto. Aquí es donde los locos se ponen realmente interesantes. Ser miembro de Dogme 95 significa que debe prescribir ciertas reglas al hacer una película, como filmar solo en el lugar, solo usar cámaras de mano y no darle ningún crédito al director. Las raíces de Von Trier en el movimiento lo han llevado a pronunciar obstáculos obscenos en su propio trabajo. Por ejemplo, Europa se filmó completamente en sepia. Su película Dogville (2003) fue filmada íntegramente en un escenario de sonido sin plató.

Solo usa cámaras digitales, lo que dificulta la filmación de algunos proyectos. Un ejemplo es Dancer in the Dark (2000), un musical donde las secuencias musicales fueron filmadas simultáneamente con más de 100 cámaras digitales. Pero incluso cuando no está trabajando en una película, Von Trier tiene muchas idiosincrasias extrañas, incluidas varias fobias paralizantes. La peor fobia es su miedo a volar, lo que le ha llevado a rodar la mayoría de sus películas en Dinamarca o Suecia, incluso las que supuestamente están ambientadas en países como Estados Unidos. Cuando sus películas se estrenan en el Festival de Cine de Cannes, conduce hasta Francia y regresa desde Dinamarca.

8. Orson Welles

La carrera

Ampliamente considerado como uno de los directores de cine más importantes e influyentes que jamás haya existido, la filmografía de Orson Welles se lee como una colección de grandes éxitos. Sus dos primeras películas, Citizen Kane (1941) y The Magnificent Ambersons (1942) se citan con frecuencia como dos de las mejores películas jamás realizadas. Su Otelo (1952) ganó la Palma de Oro. Touch of Evil (1958) también se considera uno de los mejores thrillers y películas de cine negro que jamás se hayan hecho. Finalmente, su Campanadas a medianoche (1965) sentó las bases de cómo las batallas serían coreografiadas y filmadas durante décadas, inspirando escenas de batalla en películas como Braveheart (1995) y la trilogía El señor de los anillos (2001-2003). Pero el genio de Welles no se limitó a la silla del director. También fue un fantástico actor y personalidad de radio de Shakespeare.

El loco

La carrera de Orson Welles es materia de leyenda de Hollywood. Si bien fue fácilmente uno de los mayores talentos que la industria haya visto, también lució uno de sus mayores egos. Fue tan audaz que su primera película Citizen Kane fue básicamente una película biográfica de William Randolph Hearst, uno de los magnates de periódicos más poderosos de Estados Unidos, tan poderoso que casi logró suprimir por completo la película. Se dice que si no fuera por Hearst, Citizen Kane probablemente habría ganado las ocho nominaciones a los premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor. En cambio, la oposición de Hearst fue lo suficientemente exitosa como para establecer a Welles como un enfant terrible, lo que le hizo casi imposible financiar sus películas dentro de los Estados Unidos.

Esto se vio agravado por su notoria reputación de ser difícil trabajar con él. Exigió un control total en sus proyectos. También tenía la mala costumbre de no ser confiable, con frecuencia se perdía sus propios compromisos y llegaba tarde a eventos importantes. En sus últimos años, tendría que depender de protagonizar comerciales para mantenerse a sí mismo y a su carrera cinematográfica. Incluso entonces era famoso por ser imposible de controlar y trabajar con él. Echa un vistazo a su famoso comercial «Frozen Peas» (arriba) para una muestra de su ego. Para tener una idea real de Welles fue como ver la película Orson Welles y yo, una mirada histórica a su época como propietario del Mercury Theatre y su producción de Julio César. Bombástico y narcisista, Welles estableció un legado de ser uno de los artistas más grandes e intrigantes del mundo.

7. John Waters

La carrera

Impactantes, perturbadoras y gráficas, las películas de culto transgresivas de los años 70 de John Water han horrorizado y deleitado al público durante décadas. Él comenzó haciendo películas de explotación cursi con su compañía habitual de actores, conocidos como Dreamlanders. Algunas de sus primeras películas incluyen los clásicos degenerativos Mondo Trasho (1969), Multiple Maniacs (1970) y los infames Pink Flamingos (1972). Más tarde pasaría a trabajos más convencionales, el más famoso fue Hairspray (1988), que más tarde se adaptaría a un premiado musical de Broadway y luego se convertiría en una película (2007).

El loco

John Waters es fácilmente uno de los cineastas más inmundos del mundo, un título que sin duda lo deleitaría. Sus películas tratan con frecuencia (de manera bastante explícita) temas como la homosexualidad, las cuestiones de género y la contracultura. Es conocido por sus decisiones de casting que incluyen criminales convictos de la vida real (como Liz Renay y Patricia Hearst) y estrellas porno. Su actriz habitual más famosa fue Divine, una drag queen que se convirtió en uno de los principales íconos del movimiento contracultural. En Pink Flamingos, Waters incluso la hizo comer caca de perro real. Esto mantiene el hábito de Waters de tratar constantemente de sorprender a su audiencia. Sus películas suelen tener desnudez frontal total, actos sexuales no simulados y violencia de apariencia realista (en el caso de Pink Flamingos hay una escena en la que los agentes de policía son asesinados con un hacha y luego canibalizados).

En contraste, Waters es una personalidad distinguida y sofisticada fuera de la pantalla, que hace apariciones regulares en el circuito de programas de entrevistas nocturnos. Es conocido por disfrutar por igual con las películas artísticas de alto nivel y las películas de explotación tontas. Una vez fue citado diciendo: «Amo a Bergman y desmiembro a mamá». También es famoso por su cortometraje No Smoking que se proyecta antes de largometrajes en casas de arte.

6. Stanley Kubrick

La carrera

La mayoría de los directores solo pueden sobresalir en uno o dos géneros cinematográficos. Stanley Kubrick es la excepción definitiva a esa regla. Trabajando en múltiples géneros, sus películas se han convertido en hitos infames que continúan inspirando a los cineastas hasta el día de hoy. Dirigió las películas de guerra Paths of Glory (1957) y Full Metal Jacket (1987). Ha realizado dos de las películas de ciencia ficción más influyentes jamás realizadas, 2001: A Space Odyssey (1968) y A Clockwork Orange (1972). Su película El resplandor (1980) está considerada como una de las películas de terror definitivas. Dr. Strangelove (1964) es ampliamente citado como una de las mejores comedias de todos los tiempos. Y finalmente, se destacó en la realización de piezas de época como Spartacus (1960) y Barry Lyndon (1975), la última de las cuales fue nombrada la mejor película de todos los tiempos por Martin Scorsese.

El loco

Kubrick ha pasado a la historia como uno de los directores más difíciles de trabajar y uno de los mayores perfeccionistas obsesivo-compulsivos de la industria. Si bien era conocido como un hombre de familia amoroso, era desconsiderado y grosero con las personas con las que trabajaba. Fue irrespetuoso con sus actores y nunca felicitó a ninguno de sus compañeros de trabajo, temiendo que eso los haría «complacientes». Kirk Douglas fue citado diciendo que no estaba dispuesto a comprometerse con nadie, tenía un ego fuera de control y consideraba que su visión personal de una película era más importante que la colaboración de otros artistas.

Era famoso por hacer innumerables tomas de cada toma. Durante el rodaje de El resplandor, supuestamente hizo que Shelley Duvall rehaciera una sola toma 127 veces y que el anciano miembro del elenco Scatman Crothers rehiciera una escena 148 veces, lo que es un récord mundial. El estrés fue tan grande para Duvall durante el rodaje que su cabello comenzó a caerse.

Kubrick también era conocido por participar en cada paso de la realización de sus películas, incluida la escritura, la dirección, el trabajo de la banda sonora y la edición. A menudo visitaba teatros al azar para confirmar que sus películas se proyectaban con la iluminación adecuada. Además, cuando sus películas fueran estrenadas en países extranjeros, tendría el control de los repartos de doblaje y la traducción del guión a otros idiomas. Desde su muerte, no se han autorizado nuevas traducciones de voz para sus películas.

5. Cecil B. DeMille

La carrera

Antes de Spielberg y antes de Wyler, estuvo Cecil B. DeMille. Uno de los primeros directores en comenzar a trabajar en Hollywood (su primera película se hizo en 1913), dirigiría algunas de las primeras y mejores epopeyas de gran presupuesto en la historia del cine. En una carrera que abarcó varias décadas, su trabajo incluiría imágenes mudas, sonoros y algunos de los primeros usos del primitivo proceso Technicolor de dos tiras. Muchas de sus películas fueron adaptaciones de historias bíblicas, como Los Diez Mandamientos (1923), La nueva versión de Los Diez Mandamientos con Charlton Heston (1956), El Rey de Reyes (1927) y Sansón y Dalila (1949). Su habilidad para trabajar con grandes grupos de extras, piezas gigantescas e historias colosales establecería el trabajo de DeMille como el prototipo de los éxitos de taquilla de Hollywood en las próximas décadas. También fue uno de los primeros directores en hacerse famoso por derecho propio, allanando el camino para que los cineastas, y no solo los actores y actrices, se convirtieran en nombres familiares.

El loco

Como muchos de los directores de esta lista, DeMille era un capataz severo. En realidad, eso es quedarse corto: era esencialmente un tirano en el set de sus películas. Exigió un compromiso absoluto de todos los involucrados en sus películas. Por ejemplo, para preservar la «naturaleza espiritual» de la película King of Kings, hizo que sus estrellas firmaran contratos que les prohibían hacer cualquier cosa «no bíblica» durante cinco años, como ir a juegos de pelota, clubes nocturnos e incluso montar a caballo. en convertibles.

DeMille también exigió que sus actores y actrices asumieran riesgos físicamente peligrosos en la película. Si se negaban, DeMille los despreciaría. En una escena de Sansón y Dalila, el actor Victor Mature se ganó su odio cuando se negó a luchar con un león vivo (a pesar de que era dócil y sin dientes). Durante su producción de Las cruzadas (1935), varios especialistas resultaron heridos y varios caballos murieron en una escena en particular. DeMille fue tan arrogante acerca de su seguridad que uno de sus expertos arqueros abrió fuego contra él. Y una historia sobre DeMille dice que durante el rodaje de una gran secuencia de batalla bromeó diciendo que usaría balas reales como una forma de reducir el costo de los extras. Aparentemente, era consciente de su reputación de tirano en el set, ya que con frecuencia usaba grandes botas de cuero y llevaba un látigo.

4. Harmony Korine

La carrera

Harmony Korine es una de las directoras más extrañas y oscuras de esta lista. Su debut fue en 1995 con Kids (1995), una mirada NC-17 a la vida de varios adolescentes de Manhattan durante la crisis del SIDA. Desde entonces, ha dirigido varios otros proyectos extraños e inusuales, como Gummo (1997), una mirada fragmentada a la vida en una ciudad de Ohio en la década de 1970 después de que fuera azotada por un tornado; y Julien Donkey-Boy (1999), una película que proscribía las reglas autoimpuestas del manifiesto Dogme 95. Su trabajo se centra frecuentemente en el humor negro y el absurdo. Algunos de sus temas favoritos son la infancia disfuncional, los trastornos mentales y la pobreza. Es muy poco convencional en su enfoque de la narrativa con varias de sus películas que emplean estructuras experimentales surrealistas y no lineales. Ampliamente aceptado como artista underground, sin embargo, ha ganado un amplio apoyo en varios círculos, incluida la escena de los festivales de cine internacionales, habiendo ganado premios tanto en Venecia como en Rotterdam. Algunos de sus fanáticos incluyen directores famosos Bernardo Bertolucci, Gus Van Sant y Werner Herzog.

El loco

Harmony Korine no es ajeno a la controversia ya que sus películas contienen muchas imágenes explícitas y vulgares. Durante Gummo, hay una escena en la que un gato se ahoga frente a la cámara. Kids presenta múltiples escenas de abuso de drogas y sexualidad en adolescentes. Su película de 1998 The Diary of Anne Frank Pt II era un collage de tres pantallas de un niño enterrando a su perro, varios niños con atuendos satánicos vomitando sobre una Biblia y un hombre haciendo un espectáculo de juglar con la cara negra.

Diferenciar a Korine de otros directores locos son los extremos que hará por su profesión. Korine ha manifestado que desea morir por el cine. Este es un deseo que con frecuencia casi se ha hecho realidad. El más obvio sería su proyecto titulado Fight Harm, donde se filmaría a sí mismo involucrando a personas al azar en peleas callejeras reales. Korine describió el proyecto como un cruce entre «un vehículo Buster Keaton y una película snuff». Después de solo seis peleas quedó tan herido que fue hospitalizado y obligado a abandonar el proyecto. Entonces, Korine es una triple amenaza: su trabajo es extraño, requiere un gran (y ridículo) compromiso por parte de sus intérpretes y está dispuesto a ponerse en peligro por su trabajo.

3. John Ford

La carrera

John Ford, el único hombre en la historia que ha ganado el Premio de la Academia al Mejor Director en cuatro ocasiones, es un cineasta de proporciones legendarias. Mientras que algunos de sus mejores trabajos incluye adaptaciones de novelas del siglo XX como Las uvas de la ira (1940), se le recuerda más por inventar prácticamente el género occidental. Trabajando durante más de cincuenta años y haciendo más de 140 películas, Ford estaba haciendo westerns desde 1917. Con el tiempo, llegaría a ser pionero en muchos de los arquetipos que distinguen al género occidental. Uno de sus westerns más famosos, Stagecoach (1939), elevó el género a una forma de arte. Fue una de las primeras veces que un western se tomó en serio y no se delegó en el ámbito de las películas de serie B baratas.

Ford estableció las carreras de muchos actores famosos, incluso convirtiendo casi sin ayuda de John Wayne en una estrella con su papel revolucionario en Stagecoach. A lo largo de los años, Ford y Wayne colaboraron en algunos de los westerns más queridos e influyentes jamás realizados, incluidos The Searchers (1956), The Man Who Shot Liberty Valance (1962) y Fort Apache (1948).

Ayudó a establecer y popularizar muchas técnicas cinematográficas importantes, como los planos generales, el uso del estilo expresionista y los planos de seguimiento. También fue uno de los pioneros del rodaje en exteriores, y con frecuencia ambienta y filma sus películas en Monument Valley de Utah.

Fácilmente uno de los cineastas más influyentes, fue nombrado por Orson Welles e Ingmar Bergman como uno de los mejores directores que jamás haya existido. Akira Kurosawa, a quien recordará de antes en esta lista, trató de modelar toda su carrera y sus métodos de realización de películas sobre las técnicas y la personalidad de John Ford.

El loco

Como muchos de los primeros directores de Hollywood, John Ford era conocido como un hombre severo y, en ocasiones, autoritario con quien trabajar, pero la personalidad de Ford iba más allá. No era más que un viejo maldito malvado. La mejor manera de resumir la personalidad de Ford es que se dice que es la única persona que hizo llorar a John Wayne. Permítanme repetirlo, hizo llorar a John Wayne. Era infame por lo duro que trataba y trabajaba a sus actores. A menudo se burlaba de ellos y los intimidaba.

Ford no solo era un hombre duro que exigía lo mejor de sus actores, sino también una gran tensión en sus equipos de producción. Cuando filmaba en locaciones (recuerde que fue uno de los primeros directores en hacerlo), con frecuencia hacía que todo el elenco y el equipo vivieran en diligencias. John Ford era tan duro como su amado terreno occidental e igual de exigente.

Ford era tan exigente consigo mismo como cineasta. Una de sus mayores hazañas fue asaltar la playa de Omaha el Día D y filmar la invasión. No solo capturó los eventos en una película, sino que sus superiores lo citaron por su valentía. Al parecer, durante la invasión filmó desde una posición en la que era «un objetivo obvio y claro». No dejó de filmar, incluso cuando resultó herido en el proceso. Como si irrumpir en la playa de Omaha armado con una cámara de video no fuera lo suficientemente atrevido y suicida, también resultó herido mientras filmaba un documental sobre la batalla de Midway.

Debajo de su exterior duro, Ford era un hombre amable y sentimental. Un ejemplo de esto es cómo pagó la operación de la esposa de un ex actor de Universal. Cuando el actor le pidió ayuda a Ford, este lo agredió públicamente y lo insultó. Sin embargo, cuando el actor dejó el estudio, el gerente comercial de Ford le entregó un cheque por $ 1,000.

2. Howard Hughes

La carrera

Sí, estamos hablando de ese Howard Hughes, el famoso aviador, ingeniero e industrial estadounidense. Cuando no estaba innovando en el campo de la aviación, ganó prominencia como un cineasta genial desde finales de la década de 1920. Sus dos primeras películas, Everybody’s Acting (1927) y Two Arabian Knights (1928) fueron un gran éxito, la última incluso consiguió el primer premio de la Academia al Mejor Director de una Película de Comedia. Luego haría varias películas controvertidas de gran presupuesto, como Hell’s Angels (1930) y The Outlaw (1943). También produciría la famosa Scarface: The Shame of the Nation (1932), dirigida por Howard Hawks.

El loco

Como puede observar en la breve biografía de su carrera, Howard Hughes no fue el cineasta más influyente. Seguro, su trabajo fue importante para su época. Pero en general, su carrera fue demasiado corta para tener algún tipo de impacto sobresaliente en la industria. La razón por la que es el número dos en esta lista es por su increíble trastorno obsesivo-compulsivo. La intensidad de su enfermedad lo hace perfectamente apto para ocupar un lugar tan alto en esta lista. Si bien hay muchas historias sobre las diversas neurosis de Hughes, esta lista solo se centrará en aquellos involucrados con él como cineasta.

Para empezar, una de las primeras peculiaridades de Hughes como director se refería a la blusa de Jane Russell en The Outlaw. Creía que la tela se amontonaba para crear la apariencia de dos pezones en cada pecho. Al parecer, estaba tan molesto que escribió instrucciones detalladas a su tripulación sobre cómo arreglarlo. Estaba tan frustrado que finalmente diseñó un sostén especial solo para que Russell lo usara en la película. Mientras estaba en el set, se veía afectado por cambios de humor masivos que impedían la producción de sus películas. El incidente más famoso en la vida de Hughes con respecto al cine fue su episodio de 1947 en el que se encerró en una sala de proyección durante cuatro meses. No vivía más que de barras de chocolate y leche y almacenaba su orina y heces en botellas y recipientes vacíos. Durante este tiempo, veía rollos de película todo el día mientras estaba completamente desnudo. Durante todo el tiempo que estuvo en la sala de proyecciones, no se bañó. También dedicaba tiempo a apilar y reorganizar meticulosamente docenas de cajas de Kleenex. El último incidente famoso del comportamiento de Hughes con respecto al cine fue su obsesión con la película de 1968 Ice Station Zebra, que ejecutó en un bucle continuo en su casa. Se informa que vio la película 150 veces. A pesar de todo esto, Hughes solo es apto para el puesto número dos en esta lista porque su idiosincrasia fue dictada por un trastorno mental no tratado. Esto es diferente de la entrada número uno que supuestamente tuvo el control total de sus sentidos durante toda su carrera. Lo que nos lleva a …

1. Werner Herzog

La carrera

En sus casi cincuenta años de carrera hasta ahora, Werner Herzog, originalmente parte del movimiento del Nuevo Cine Alemán, se ha establecido como uno de los directores de cine más importantes del mundo. Ha inspirado a innumerables cineastas con sus increíbles películas.

Conocido por filmar documentales y películas regulares, Herzog hizo sus primeras películas con una cámara de 35 mm que robó de la Escuela de Cine de Munich. A partir de ahí, ha filmado algunas de las películas más eclécticas, atractivas e hipnóticas jamás realizadas. Su película Fitzcarraldo (1982) ganó el Premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes de 1982. Se trata de un barón del caucho que tira de un barco de vapor sobre una montaña para acceder a un rico territorio de caucho, para que pueda lograr su sueño de construir un teatro de ópera en medio de la selva peruana. Aguirre: La ira de Dios (1972), la historia de un soldado español que conduce a un grupo de conquistadores por el río Amazonas con la esperanza de encontrar El Dorado, ganó atención y elogios internacionales.

Herzog ha hecho fotografías en todo el mundo, desde Grecia (Últimas palabras), el desierto del Sahara (Fata Morgana), la Antártida (Encuentros en el fin del mundo), África (Cobra Verde), Australia (Donde sueñan las hormigas verdes), al medio oeste americano (Stroszek). Ha demostrado una y otra vez que está dispuesto a viajar hasta los confines de la tierra para contar una historia y hacer una gran película.

Recientemente, Herzog ha estado trabajando en Hollywood. A diferencia de muchos directores extranjeros cuyo trabajo comienza a declinar bajo la influencia de Hollywood, Herzog sigue siendo fuerte. Algunos de sus trabajos en Estados Unidos incluyen el famoso documental Grizzly Man (2005), el vehículo de Christian Bale Rescue Dawn (2007) y el criminalmente subestimado Bad Lieutenant: Port of Call, Nueva Orleans (2009), protagonizada por Nicolas Cage.

El loco

Esta lista completa podría haberse formado fácilmente con las locuras que Herzog ha hecho a lo largo de su carrera. Baste decir que es un milagro que todavía esté vivo. Herzog ha tenido durante mucho tiempo el hábito de elegir dirigir películas que deliberadamente requieren rodajes casi imposibles y potencialmente mortales. Durante la filmación de Aguirre, hizo que el elenco y el equipo vivieran en balsas en los afluentes del río Amazonas durante cinco semanas, esquivando rápidos que amenazaban la vida y casi sin ahogarse en una inundación masiva. En Fitzcarraldo, puso en peligro la vida de cientos de nativos al obligarlos a tirar de un barco de vapor de 320 toneladas por la ladera de una montaña. En cualquier momento, los cables podrían haberse roto y haber matado a los trabajadores. En un momento, su elenco incluso fue atacado por lugareños hostiles de los bosques vecinos. Luego llegó el momento en que Herzog arriesgó la vida de todo su equipo (incluido él mismo) al filmar un documental en la ladera de un volcán que estaba listo para entrar en erupción en cualquier momento. En la película se incluye una escena en la que se muestra a la tripulación escapando de los humos venenosos que se escapan del volcán. El resultado final, titulado La Soufrière (1977), fue de solo treinta minutos. largo.

Su locura no termina con los disparos en sí. Herzog también tiende a trabajar con elencos extraños, eclécticos y difíciles. Su película Even Dwarfs Started Small (1970) tuvo un elenco compuesto puramente por personas pequeñas. Dos de sus mejores películas, El enigma de Kaspar Hauser (1974) y Stroszek (1977), incluyeron a Bruno Schleinstein en los papeles principales. Bruno, que se hacía llamar Bruno S., era un músico autodidacta que había pasado la mayor parte de su vida en instituciones mentales y había sido un artista callejero antes de que Herzog lo eligiera. Su falta de familiaridad con la actuación frente a la cámara hizo que filmar a Bruno fuera muy difícil, lo que a veces requería que Herzog lo “escuchara” durante varias horas en el set antes de que pudiera reunir el valor para actuar. Pero su asociación más infame fue la de Klaus Kinski. Conocido como un loco delirante, las cinco películas que Herzog hizo con Kinski pueden considerarse milagros por haber sido hechas. Como se muestra en My Best Fiend (1999) de Herzog, un documental que detalla su relación, estaban constantemente mirándose el uno al otro mientras estaban en el set. Durante el tiroteo de Fitzcarraldo, Kinski perdió tanto el control que los nativos locales se ofrecieron a matarlo por Herzog. A pesar de su tumultuosa relación, se consideraban amigos íntimos. Es una bendición que no se hayan matado.

De hecho, como ya he dicho, es un milagro que Herzog siga vivo. Empujando los límites de la realización de películas y dirigiendo a mundos nunca antes escuchados, no hay límite para la audacia, la valentía y la brillantez de Herzog frente al peligro y las dificultades.

Bono: David Lynch

La carrera

David Lynch se ha establecido como uno de los autores cinematográficos más grandes de Estados Unidos. Sus películas son excursiones extrañas y vanguardistas que han sido pioneras en diferentes métodos de realización cinematográfica narrativa. Su primera película, Eraserhead (1977) se estableció rápidamente como un clásico de culto. Continuaría creando algunas de las mejores y más peculiares películas jamás realizadas. Estos incluyen la nominada al Premio de la Academia El hombre elefante (1980), la inquietante Terciopelo azul (1986), Wild at Heart (1990), ganadora de la Palma de Oro, y Mulholland Dr. (2001), una película que sigue siendo un enigma para muchos. para este día. También fue el co-creador de Twin Peaks, un programa de televisión que se ha convertido en un favorito de culto. Además de la mencionada Palme d’Or, Lynch ha recibido dos Premios César a la mejor película extranjera, un León de Oro a la trayectoria en el Festival de Cine de Venecia, tres nominaciones al Premio de la Academia al Mejor Director y la Legión de Honor francesa.

El loco

Quienes estén familiarizados con Lynch se sorprenderán de que aparezca en esta lista. La verdad es que, si bien el trabajo de Lynch puede ser extraño e incomprensible, en el set y en su vida privada es bastante normal. Eso no significa que no tenga su parte justa de idiosincrasias extrañas. Ha sido un ferviente partidario de la Meditación Trascendental desde 1973. No permite que se cocine en su casa porque no soporta el olor. Pero aparte de esas pocas garrapatas, Lynch es un hombre normal. Es su trabajo el que establece su personalidad como un tipo inusual y garantiza su entrada en esta lista.