Los 10 mejores comediantes del cine mudo

Hoy en día, cuando la mayoría de la gente escucha las palabras «comedia muda», probablemente piensan en cosas como la silueta de Charlie Chaplin enmarcada en la puesta de sol o la música de un piano parpadeante sobre imágenes granulosas apenas descifrables y, tal vez, gente a la que le patean el trasero. Mucho.

Sin embargo, detrás de la música y las tomas de la cámara con manivela hay algo completamente diferente, para aquellos que estén dispuestos a echar un vistazo. Es un mundo de magia, como describió el novelista Paul Auster en El libro de las ilusiones diciendo que las películas son «como poemas, como representaciones de sueños, como una intrincada coreografía del espíritu».

Aquí están los diez mejores comediantes de la época, algunos bien conocidos, otros virtualmente olvidados, todos dispuestos a arriesgar sus cuerpos, traseros y, en algún caso, vidas, todo por una buena risa:

10. Ben Turpin

Turpin, nacido en 1869 en Nueva Orleans, fue uno de los rostros más distintivos de la época. Esto tuvo mucho que ver con sus ojos permanentemente bizcos.

Como la mayoría de las estrellas de la época, comenzó su carrera en el escenario del vodevil desarrollando un acto rudo y caído que dependía de la mezcla habitual de pratfall y slapstick y se destacó por su atletismo. Cuando el cine cobró vida silenciosamente, consiguió trabajo en los estudios Essanay en 1907 como actor… y conserje.

A los pocos años había dejado atrás su escoba empujando días. Se convirtió en una estrella establecida del día, a menudo actuando como un complemento de Chaplin, quien se unió a la compañía en 1915.

Y detrás de todo estaba sus ojos bizcos.

Turpin no era una máquina de comedia como Chaplin y Keaton, a quienes a menudo se les ocurrían sus propios chistes. Sabía que la mayoría de sus risas provenían de su apariencia; su personaje tomaría una postura valiente contra algo en una película y lo socavaría todo con su ojo derecho bizco. Su apariencia fue tan importante para su acto que la estrella aparentemente tenía sus ojos asegurados por $ 25,000, aunque esto seguramente fue más un truco publicitario que un temor genuino por su visión cruzada.

Una vez que Essanay colapsó, Turpin pasó a trabajar con Mack Sennett en payasadas y parodias típicamente poco sutiles y crudas como The Shriek, que parodiaba el gran éxito de Rudolph Valentino, The Sheik.

Una vez que el sonido comenzó a matar a la mayoría de las estrellas más grandes de la era, Turpin decidió retirarse, aunque todavía hizo una aparición extraña o un cameo durante los años treinta. La película de Laurel y Hardy Saps at Sea en 1940 sería su última aparición en la pantalla. Murió de un ataque de calor el 1 de julio de ese año.

9. Larry Semon

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Una de las estrellas más olvidadas de la época es Larry Semon. En su día fue escritor, productor, director y protagonista de numerosas comedias mudas e incluso apareció en la primera versión en pantalla grande de El mago de Oz.

Nacido en West Point Mississippi en 1889, trabajaba como dibujante de periódicos cuando Vitagraph se le acercó para escribir y dirigir algunas películas para la empresa emergente.

Al cabo de tres meses los protagonizó, ya que había ganado experiencia en el escenario a través de su padre mago Zera el Grande. Un actor y director talentoso, aparecería en sus películas como un sombrero derby de rostro blanco con torpeza que tropezaría con una escena y causaría todo tipo de caos.

Una vez que sus películas tuvieron éxito, se le dio rienda suelta para hacerlas de la forma que quisiera. Sin embargo, su ambición, como la de muchos cineastas que le siguieron, resultaría una especie de lazo para el talentoso cómic. Se hizo conocido por sus elaborados chistes y costosos efectos especiales, a menudo insistiendo en construir sus propios decorados desde cero en lugar de usar los fondos estándar disponibles. Vitagraph no estaba contento e insistió en que respaldara sus propias películas.

En 1926, la popularidad de Semon había comenzado a decaer y volvió a hacer cortos. En 1928 se declaró en quiebra y en octubre de ese año estaba muerto.

8. Mary Pickford

Mary Pickford fue la novia de la pantalla original de Estados Unidos. Nacida como Gladys Marie Smith en 1892, fue la primera superestrella del cine femenino y podía defenderse con cualquiera en la pantalla o fuera de ella.

Al principio se convenció a sí misma de trabajar con DW Griffith y apareció en numerosos one-relers para el director. En 1913, Adolph Zukor la había contratado con quinientos dólares a la semana. Tres años después, ganaba diez mil.

Su popularidad se basó en su percepción de inocencia. Interpretó a los adolescentes hasta bien entrada su edad adulta. Por ejemplo, interpretó a una adolescente que lidera una tropa de niños a través de un pantano en The Sparrow de 1926 (en ese momento tenía treinta y tantos años).

En la década de 1920 se pensaba que era la mujer más famosa del mundo, en parte debido a que su matrimonio con Douglas Fairbanks, que provocó chismes, duró hasta 1936. A menudo provocaban disturbios cuando aparecían juntos.

En 1919 formó United Artists con Fairbanks, Chaplin y DW Griffith y terminó su carrera cuando los talkies irrumpieron ruidosamente y finalmente se retiró en 1933.

7. Mabel Normond

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Si Pickford era la dulce e inocente chica de al lado, Mabel Normond era quizás la otra cara de la moneda. El escritor, director, productor y protagonista Normand se deshizo por el escándalo y la adicción a las drogas.

Se cortó los dientes con Charlie Chaplin y Roscoe «Fatty» Arbuckle en Keystone mientras también tenía una especie de tórrido romance con el director del estudio, Mack Sennett.

De hecho, jugó un papel fundamental en el desarrollo de la carrera de Chaplin. Cuando la futura mega estrella llegó a los estudios, tuvo problemas para adaptarse del escenario a la pantalla y parecía que su permanencia en Keystone sería corta. Fue Normond quien defendió al joven cómico inglés y convenció a Mack Sennett para que lo contratara.

El personaje de Chaplin’s Tramp también hizo su primera aparición en el vehículo dirigido por Normond Mabel’s Strange Predicament en 1914, aunque sería la segunda película de Tramp estrenada.

Sin embargo, a principios de los años veinte, se estaban gestando problemas. Después de drogarse, se vio implicada en el misterioso asesinato de su amigo cercano William Desmond Taylor, siendo la última persona conocida que lo vio con vida. Continuaría haciendo algunas películas más durante los años veinte, aunque el deterioro de su salud y la tuberculosis la llevaron a la muerte en 1930.

6. Fatty Arbuckle

Quizás no haya payaso más trágico en la historia del cine que Roscoe Arbuckle. El comediante rotundo que siempre sería conocido como Fatty fue el primer cómic importante de la pantalla. Solo Chaplin podía estar a su lado en términos de ingresos de taquilla y fama mundial. El ascenso de asistente de plomero a estrella de cine de un millón de dólares al año fue meteórico, sin embargo, la caída sería igual de fuerte.

Roscoe nunca fue tan ambicioso como Chaplin y siempre sintió que se debe apelar al mínimo común denominador en las películas en lugar del más alto (era una fuente constante de desacuerdo entre él y su buen amigo Buster Keaton) y sus películas estaban destinadas a palidecer eventualmente. junto a Charlie, Buster y otros, ya sea que el escándalo se apodere de él o no. Aún así, era un cómic elegante y acrobático para un hombre tan grande y gran parte del caos de sus cortos previos al escándalo aún perduran, en particular los que presentan al joven Keaton.

De todos modos, no se puede ignorar su influencia en el mundo de la comedia. Fue Arbuckle quien le dio a Buster Keaton tanto su oportunidad en el cine como su educación en el set. También fue mentor de Charlie Chaplin.

Mientras estaba en la cima de su juego y a punto de ingresar al mundo de los largometrajes, el escándalo de Virginia Rappe golpeó. La joven actriz murió poco después de una fiesta organizada por Arbuckle en San Francisco, con Roscoe acusado de violarla. Los medios de comunicación querían atrapar a la industria cinematográfica no regulada y Arbuckle sería su primer mártir. Siguieron tres juicios antes de que la estrella fuera finalmente absuelta y el jurado llegó incluso a decir: “La absolución no es suficiente para Roscoe Arbuckle. Sentimos que se le ha cometido una gran injusticia ”.

Podría haber sido inocente a los ojos de este jurado, pero su carrera estaba en ruinas y se convirtió en un hombre solitario y amargado durante los años siguientes, hasta que finalmente la estrella olvidada tuvo la oportunidad de regresar.

En 1932 apareció en un par de sólidos dos carretes y, aparentemente perdonado por el público, estaba listo para hacer una reaparición en toda regla. Warner le dio su oportunidad y el 23 de junio de 1933 firmó un contrato que le permitiría realizar largometrajes para la empresa. Fue, dijo, el mejor día de su vida. Esa noche murió de un infarto.

5. Harold Lloyd

Harold Lloyd fue una de las estrellas más grandes del día, reemplazó a Arbuckle como la única estrella que podía competir con Chaplin y en su mejor momento eclipsó a personas como Keaton y Laurel y Hardy.

Consiguió su descanso trabajando con Hal Roach en 1913 y se convirtió en su cómic de mayor éxito. De 1915 a 1917 apareció en más de sesenta comedias de un carrete.

En 1918 inventó las «gafas» personaje, un ambicioso optimista que lucha constantemente por el éxito. Mientras filmaba algo de publicidad para el estudio, un accesorio explosivo le costó el pulgar y el índice de su mano derecha, como el personaje que hizo famoso, no dejó que esto lo detuviera.

Su papel más famoso estaría en Safety Last. Lanzado en 1923, consagraría para siempre al totalmente estadounidense de rostro fresco en la mente del público. La película vio a Lloyd escalar el costado de un edificio en un intento por atraer personas a la tienda general en la que estaba trabajando y obtener los mil dólares que se ofrecen por hacerlo. La escena inspiraría a todos los demás cómics. Chaplin creó la casa tambaleándose al borde de una escena de acantilado en La fiebre del oro debido a eso y Keaton fue empujado a acrobacias aún más grandes y locas como resultado.

Las películas que siguieron, como Girl Shy, The Freshman y Speedy, tendrían un gran éxito y dejarían a Lloyd como un hombre muy rico. Una vez que llegaron las películas, pasó a un segundo plano en la industria del cine. Durante la era de la depresión de los años treinta, el optimismo que una vez lo convirtió en una estrella ahora irritaba al público y su popularidad declinó. Recibió un premio de la Academia a la Trayectoria en 1953 y murió de cáncer de próstata en 1971.

4. Oliver Hardy

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Ollie Hardy, la mitad del primer gran dúo cómico de la pantalla, quedó fascinado con el cine desde una edad temprana. De hecho, trabajó como proyeccionista, taquillador, conserje y gerente de su nickelodeon local en Georgia.

La primera película de sus muchas apariciones en el cine llegó en forma de Burlar a papá en 1914 y durante la próxima década haría más de doscientos cortometrajes, a menudo con Larry Semon antes de que finalmente se uniera a Stan Laurel en 1927.

El dúo produjo los cortos a un ritmo enorme con cosas como La batalla del siglo que presenta probablemente la pelea de pasteles más exagerada en la historia del cine, Another Fine Mess (que quizás consagró el eslogan de Ollie en la imaginación del público, aunque en realidad siempre decía «ese es otro buen lío») y el clásico Big Business.

Hardy y su compañero también fueron dos de los pocos comediantes de la época que realmente dieron el salto exitoso al sonido, por lo que sus películas probablemente hayan sido vistas por más personas desde entonces en comparación con cualquier otra persona en esta lista.

3. Stan Laurel

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Stan siempre fue el chivo expiatorio del dúo en la pantalla. Fuera de la pantalla, él era el cerebro detrás de la pareja.

Como Chaplin, nació en Inglaterra en 1880. Se unió a la compañía de actores de Fred Karno en 1910 junto con un joven Charles Chaplin y fue suplente de Chaplin en un momento.

En 1926, se unió al estudio Hal Roach y comenzó a dirigir sus propias películas con la intención de trabajar principalmente como escritor y director. Las cosas cambiaron cuando conoció a Oliver Hardy en 1927. Hal Roach notó la química con bastante rapidez y los dos se convirtieron en estrellas.

Si bien su fama se extendió más allá de la era del cine mudo y fueron más famosos después de la llegada del sonido, las películas mudas del dúo se mantienen mejor en la actualidad. Sin embargo, independientemente de la tontería de la premisa, la pareja siempre fue una vista bienvenida en la pantalla.

Sus carreras comenzaron a decaer después de la década de 1940, cuando a Stan Laurel le diagnosticaron diabetes y los problemas de salud que los perseguirían hasta la muerte de Ollie en 1957. Stan Laurel, su viejo amigo, lo seguiría en enero de 1965.

2. Charlie Chaplin

Nadie es más sinónimo de la era del cine mudo y la comedia cinematográfica en sí misma que Charles Chaplin. Personas de todo el mundo que nunca han visto una película muda conocen la silueta de Chaplin, el traje raído, el bombín.

Su influencia es considerable. Hasta que llegó el vagabundo, los cómics cinematográficos se basaban firmemente en el reino de las payasadas caricaturescas. Fatty Arbuckle podría recibir un golpe en la cabeza con una sartén y volver a ponerse de pie segundos después sin ningún daño duradero.

El genio cinematográfico y los instintos narrativos de Chaplin cambiarían todo eso. Tomemos la película El vagabundo, estrenada en 1915. Ve al desafortunado vagabundo recibiendo un disparo por error mientras ahuyenta a unos ladrones, cae al suelo y pasamos a la siguiente escena. El público en ese momento habría esperado que estuviera bien; sin embargo, el Vagabundo no ha vuelto a ponerse de pie, sino que está en la cama cuidando sus heridas.

Una vez que dio el salto a los largometrajes, se volvería aún más ambicioso.

Películas como The Kid y Modern Times mezclaron comedia y patetismo de una manera que rara vez se había visto en la pantalla antes, mientras que sus dotes como narrador y actor son igualados por muy pocos en la historia del cine. Su sentimentalismo tal vez esté ligeramente en desacuerdo con el cinismo de la industria actual, pero su producción sigue siendo tan atemporal y fresca como el día de su lanzamiento.

1. Buster Keaton

Keaton obtiene el puesto número uno. Aunque en realidad las diferencias entre él y Chaplin son bastante insignificantes, el estilo de Keaton era muy diferente. Donde el vagabundo de Chaplin apelaba al atractivo sentimental y emocional de Keaton era mucho más cerebral.

Nació en 1895 en una familia de vodevilianos viajeros. Famoso por su invencibilidad, consiguió su educación en el escenario de la mano de su padre Joe, quien lo usaría sin ceremonias como un trapeador humano o lo arrojaría al foso de la orquesta, desde alrededor de los cinco años.

Fue Arbuckle quien le mostró el camino en el cine, aunque sabía que podía hacerlo mejor que los cortos simplistas y toscos de su amigo. Una vez que salió por su cuenta en 1920, nunca miró hacia atrás.

The Great Stoneface no solo fue un gran cómico, también fue uno de los mejores especialistas del mundo. Películas como The General y Our Hospitality, donde Keaton casi se ahoga, establecieron el estándar, aunque fue completamente superado por la escena final en Steamboat Bill Jnr. Presenta a Keaton perdido en un huracán durante el cual el frente de una casa cae directamente sobre él. Una ventana abierta en el techo de la casa lo salva.

No es, por si te lo estás preguntando, una pared falsa, ni hay trucos de cámara. Keaton marcó su lugar y se paró en él, tenía precisamente dos pulgadas de espacio sobre su cabeza y hombros. Cualquier desviación, digamos una ráfaga de viento perdida y las tres mil libras de muro seguramente lo paralizarían, en el mejor de los casos.

Gran parte de la tripulación no pudo mirar mientras el propio Keaton recuerda estar parado allí y sin importarle si lo golpeó o no. Sobrevivió, por supuesto, aunque este sería el último gran, y más grande, truco que haría.

Parte de la razón por la que tomó la foto fue que le habían dicho que MGM estaba comprando su contrato y que perdería la libertad total que había disfrutado anteriormente. Trabajar dentro del sistema de estudio mató la carrera de Keaton, y también su espíritu, se convirtió en alcohólico y nunca recuperó sus glorias pasadas.

Sin embargo, viviría para ver sus películas aclamadas y aplaudidas de nuevo en los años sesenta, obteniendo finalmente el crédito que su trabajo exigía, incluso si toda la atención llegó unas décadas demasiado tarde. Murió de cáncer de pulmón el 1 de febrero de 1966.

Lea nuestra lista sobre por qué Buster Keaton fue un verdadero rudo.

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