Los 10 mejores músicos masculinos ciegos

Al tocar un instrumento, poder ver es definitivamente útil, ¿verdad? Para cualquiera que haya toqueteado con una guitarra, haya aprendido su primer acorde, su segundo, incluso un tercero y luego se haya rendido cuando llegó el momento de juntar los tres, imagínese haciendo todo eso de nuevo, solo que sin la ayuda del sentido de la vista. . Luego, imagina que eres realmente bueno en eso.

Esto es lo que hicieron las siguientes personas, y también en un despiadado negocio de la música. Un negocio obsesionado con la imagen y en mucha menor medida (al menos estos días), el talento. A través de su propia tenacidad, determinación, trabajo arduo y montones de talento natural dado por Dios, estos muchachos lograron triunfar por sí mismos. Al diablo con la discapacidad visual.

10. Ronnie Milsap

Los músicos ciegos parecen ser generalmente músicos de blues y jazz, por lo que el cantante de country Ronnie Milsap es un poco extraño.

Nació en Robbinsville, Carolina del Norte con un trastorno congénito que lo dejó casi completamente ciego al nacer. Esta discapacidad no le impidió progresar en el negocio de la música. Una infancia que pasó escuchando música country, gospel y blues lo inspiró y, a la edad de siete años, sus maestros ya habían notado su incipiente talento musical.

Siguió su formación en música clásica mientras aprendía a tocar varios instrumentos diferentes antes de que comenzara su carrera en 1963, cuando su primer sencillo «Total Disaster» gozó de cierto éxito local. En los años setenta y ochenta, Milsap se convertiría en uno de los cantantes country más influyentes y conocidos, con éxitos como «It Was Almost Like A Song» y «Smoky Mountain Rain».

El éxito en las listas de éxitos podría haberse agotado en los últimos años, pero sigue siendo uno de los cantantes más queridos de la música country.

9. Nobuyuk Tsujii

Nobuyuk Tsujii, que demuestra que no solo los pianistas estadounidenses ciegos hacen cosas virtuosas dementes, es un talentoso joven músico japonés. La palabra «superdotado» es una subestimación. Para aquellos que no conocen sus talentos, una breve sinopsis de sus logros, todos logrados antes de cumplir los 25 años:

A la edad de cuatro años comenzó a tocar «Jingle Bells» en el piano después de escuchar a su madre tararearlo. A los siete años, ganó el primer premio en el Concurso de Música de Japón para Estudiantes Ciegos. A los diez años debutó con la Century Orchestra Osaka y a los 12 había dado su primer recital de piano mientras también componía su primera canción, titulada “Street Corner of Vienna”.

Desde entonces, Tsujii se ha presentado en países de todo el mundo y ha escrito el tema musical de una película y un drama televisivo japoneses. En los últimos años ha ganado prominencia en el mundo de la música clásica y muchas de sus grabaciones están ahora ampliamente disponibles. Todo esto y todavía tiene poco más de veinte años. ¿Qué será lo próximo para este joven y talentoso músico?

8. Willie Johnson ciego

Hay muchos músicos de blues con «Blind» en su nombre. Era justo lo que se podía hacer en el pasado. Con gente como Ciego blake

, Jefferson de limón ciego y Blind Boy Fullerm, la asociación con el blues y los músicos ciegos se hizo tan estrecha que la gente empezó a adoptar el apodo de “ciego” cuando en realidad no tenían deficiencias visuales. Por ejemplo, durante los años sesenta, cuando Bob Dylan eligió un seudónimo para una grabación temprana, eligió Blind Boy Grunt.

Willie Johnson definitivamente estaba ciego. Se discute cómo llegó de esa manera, como muchas cosas sobre su vida, aunque la historia más comúnmente contada es que cuando su padre golpeó a la madrastra de Willie por engañarlo, en un ataque de rabia, ella arrojó lejía en la cara de su hijo. .

Desde la niñez, el gran cantante del gospel del futuro quiso ser predicador. Comenzó, como muchos de sus contemporáneos, cantando en las esquinas, con su ronco barítono cantando el evangelio de su Señor. Sin embargo, su forma de tocar la guitarra ciertamente no estaba en la tradición de la música gospel. De hecho, se filtró en la tradición del blues. Johnson también resultó ser uno de los mejores guitarristas de slide.

En el transcurso de su breve carrera discográfica, produjo 30 pistas para Columbia Records 1927-1930. Canciones como «Let the Light from the Lighthouse», «The Soul of a Man» y el instrumental increíblemente atmosférico «Dark Was the Night, Cold Was the Ground» todavía proyectan su considerable sombra hoy y sus canciones han sido versionadas por artistas como Arroyo, Eric Clapton y Las franjas blancas.

Como muchos músicos de blues antes y después, fue subestimado en su época y cuando su casa de Texas se incendió en 1945, el pobre músico no tenía ningún otro lugar adonde ir y simplemente dormía entre los escombros. Murió poco tiempo después de contraer malaria.

7. George Shearing

Los músicos de jazz de fama internacional son una raza rara en la actualidad. No es que no haya muchos grandes por ahí, pero es difícil escuchar su nombre resonando entre todos los ganadores del concurso de talentos en los medios de comunicación de hoy. Quizás comenzar Jazz Idol, The Jazz Factor, o So You Think You Can Jazz ayudaría. De todos modos, George Shearing representaba algo así como una especie en extinción, un músico inmensamente talentoso famoso en el mundo del jazz pero conocido en todo el mundo por ambas cosas aficionados al jazz y al pop.

Nacido en Battersea en Londres en 1919, Shearing comenzó a jugar a una edad temprana e incluso ganó una beca universitaria basada en sus habilidades. Por desgracia, intervino el dinero y tuvo que rechazar la beca en lugar de un trabajo más gratificante económicamente … tocar el piano en un pub local por la hermosa suma de £ 5 a la semana.

En 1947 se mudó a los EE. UU. Y durante las décadas siguientes se convertiría en uno de sus músicos más célebres, tocando para tres presidentes en la Casa Blanca, ganando la admiración del escritor Beat Jack Kerouac y escribiendo más de 300 composiciones, incluida la seminal “Lullaby en Birdland «.

En 2007 recibió el título de caballero de la Reina de Inglaterra. El pianista ciego cuyo pobre padre había entregado carbón una vez al palacio recibió de manos de la Reina el mayor honor de su país.

George Shearing murió en febrero de 2011 a los 91 años.

6. Moondog

La mayor parte de esta lista está dominada por músicos bastante tradicionales relacionados con la guitarra y el piano. No hay nada tradicional en Louis Thomas Hardin, también conocido como «Moondog». Tome la siguiente oración, por ejemplo. Al principio de su vida, el músico y poeta ciego tomó la decisión consciente de vivir en las calles de Nueva York vestido como el dios nórdico Thor.

Comenzó su vida con plena vista y comenzó su educación musical tocando la batería en una caja de cartón cuando era niño. A los 16 años perdió la vista en un accidente agrícola y aprendió a tocar música de oído. En la década de 1940 se mudó a Nueva York, donde se convirtió en músico callejero, aunque tenía su propio apartamento en el alto Manhattan. Luego tuvo la idea de empezar a llamarse a sí mismo Moondog en honor a un perro que conocía que solía aullar a la luna.

Más tarde, se instalaría en Alemania donde el viajero vikingo haría música inspirada en los sonidos de la calle, los ruidos del metro y las sirenas de la niebla. Fue apropiadamente excéntrico. Siempre en busca de algo nuevo, también inventó bastantes instrumentos como un arpa de forma triangular conocida como “Oo” y la Trimba, un instrumento de percusión triangular.

Si bien sus grabaciones no afectaron las listas de éxitos en su vida o desde entonces, han tenido una influencia considerable en músicos de todos los ámbitos de la vida. Minimalistas como Philip Glass y Steve Reich son fanáticos; Janis Joplin hizo un cover de su canción «All is Loneliness» al igual que Anthony and the Johnsons; mientras el DJ Mr. Scruff probaba su canción «Bird’s Lament».

Murió en Alemania en 1999 a los 83 años.

5. Willie McTell ciego

Al igual que su amigo y contemporáneo el ciego Willie Johnson, McTell estaba destinado a no ser nunca un gran éxito en su vida. De hecho, como su amigo que tocaba gospel, murió casi olvidado, solo unos años antes de que el boom del folk de principios de los sesenta seguramente lo hubiera rescatado de la oscuridad. De cualquier manera, su música ha perdurado y su legado hoy sigue siendo más fuerte que nunca.

Willie nació, muy probablemente, en 1898 en Georgia. A diferencia de muchos de sus contemporáneos, incluido Johnson, no era el estereotipado cantante de blues barítono de voz ronca, sino que tenía un tenor dulce y melódico. La música fue siempre su ocupación preferida y comenzó a tocar la armónica y el acordeón, antes de que la guitarra de doce cuerdas se convirtiera finalmente en su instrumento preferido.

Podía tocar los estándares de jazz y pop de la época, pero eran sus canciones de blues y gospel las que constituirían la base de su legado musical. «Mama T’Ain’t Long Fo ‘Day», por ejemplo, es la pieza de blues más perfecta que jamás oirás mientras canciones como «Statesboro Blues» y «Southern Can Is Mine» han sido versionadas por The Allman Brothers Band to the White Stripes.

Bob Dylan quizás le hizo el mayor cumplido por una canción que lleva el nombre del cantante cuando cantó «nadie puede cantar blues como Blind Willie McTell».

4. José Feliciano

Algunos pueden ser propensos a ignorar la considerable habilidad necesaria y el desafío asociado con convertirse en un músico consumado cuando tienen una discapacidad visual. En algunos casos, como los viejos blues y jazz, simplemente no tenemos las imágenes que nos recuerden su discapacidad, en otros, la personalidad es tan conocida y carismática que su discapacidad puede ser olvidada. A veces, sin embargo, la mera habilidad técnica del intérprete casi hace que la discapacidad sea más pronunciada, como si se viera obligado a recordar que lo que está presenciando realmente está sucediendo. Un caso es José Feliciano.

El guitarrista puertorriqueño es lo que podríamos llamar un virtuoso. A lo largo de sus 50 años de carrera lo ha intentado casi todo. Música clásica, rock, pop, jazz, blues y todo lo demás forman parte del repertorio de este inconformista musical.

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Su punto culminante comercial llegó en 1970 con el lanzamiento de la canción «Feliz Navidad», pero su trabajo equivale a mucho más que la canción novedosa de temporada. Continúa grabando tanto en español como en inglés y tiene la rara distinción de tener éxito en ambos.

3. Art Tatum

Hablando de virtuosos, pocos vencieron a Art Tatum como uno de los más grandes del mundo. Tatum es, en pocas palabras, uno de los mejores pianistas que jamás haya existido. Los vuelos inventivos del genio de la improvisación y las notables hazañas de destreza musical hacen que la producción de Tatum sea tan impresionante e inspiradora hoy como cuando sus dedos volaron por primera vez sobre las teclas del piano.

Nació en Toledo, Ohio de padre guitarrista y madre pianista. A diferencia de todos los demás en la lista, él no era 100% ciego. Las cataratas le hicieron perder la vista en un ojo y tenía visión limitada en el otro.

La música llegó fácilmente al joven Tatum y lo entendió todo de oído, inspirándose en Fats Waller y James P. Johnson, entre otros. Sobre la base de influencias clásicas y de zancada, formó un sonido único. Tatum usó progresiones de acordes invertidas y extendidas que se adelantaron al menos una década a su tiempo y el pianista influiría enormemente en los futuros gigantes del jazz como Bill Evans, Thelonious Monk y Oscar Peterson.

Quizás el mayor cumplido que recibió Tatum fue el de su héroe Fats Waller, cuando entró en un club donde tocaba Waller. Fats, notando su entrada, se apartó del piano y dijo: «Solo toco el piano, pero esta noche Dios está en la casa».

2. Stevie Wonder

Stevie Wonder es un poco genial. Primero, se convirtió en una estrella infantil, luego obtuvo un control sin precedentes de sus propias canciones, ayudó a que el cumpleaños de Martin Luther King Jr. fuera un día festivo y también elaboró ​​algunas de las mejores canciones y álbumes de la historia, todo sin tener el uso completo de sus ojos.

Nacido como Stevland Hardaway Morris en 1950, Little Stevie Wonder estaba tocando música tan pronto como pudo tocar el arpa. A la edad de 11 años, Wonder ya había firmado con Motown. “Fingertips” fue su primer gran éxito y su carrera despegó desde allí. Siguieron hits sencillos durante el resto de los sesenta antes de que Wonder dejara expirar su contrato con Motown. Enfrentando un enfrentamiento con Berry Gordy, la estrella ganó el control creativo completo de todo su nuevo trabajo, un paso inaudito para cualquier músico en ese momento. Tenía poco más de veinte años con una docena de clásicos a sus espaldas, pero su mejor trabajo aún estaba por llegar.

Durante los dos años siguientes lanzó una trilogía de álbumes; Music of My Mind, Talking Book e Innervisions que resultarían ser la piedra angular de su carrera y, en muchos sentidos, la música popular durante las próximas décadas. Wonder perfeccionó el uso del sintetizador, un sonido que ha dominado la música pop desde entonces.

Claro, su trabajo posterior no está a la altura de lo que vino antes, pero todos tienen límites. Little Stevie Wonder creció para cambiar la industria de la música para siempre. El hecho de que nadie más, y menos él mismo, pueda estar a la altura de su pasado no es tan sorprendente cuando nadie tiene comparación con la historia.

1. Ray Charles

Es bastante imposible elegir entre Ray Charles y Stevie Wonder para el puesto número uno. En términos de habilidades musicales, legado, influencia, habilidad para cantar y carisma puro, es una carrera bastante reñida. Charles se adelanta un lugar por un par de razones. Uno, que llegó allí (a la escena musical) primero y dos, sin la fusión de blues y gospel de Ray Charles en soul, es probable que Stevie Wonder no sea el artista que es.

Ray Charles nació en Georgia en 1930 y comenzó a perder la vista a los cinco años. A los siete años se había ido por completo. Para entonces, un pianista de blues local ya había despertado su interés musical y rápidamente se convirtió en una estrella en la escuela. Muy pronto estuvo en la carretera aprendiendo las cuerdas con varios grupos antes de establecerse por un tiempo en Seattle. Al principio, sus discos eran meras imitaciones, concedidas muy buenas, de artistas como Charles Brown y Nat King Cole, antes de que el hermano Ray finalmente encontrara su lugar en Atlantic Records.

“Mess Around”, “I Got A Woman” y “Drown in My OwnTears” fueron algunos de los muchos éxitos que lanzó durante este período cuando combinó ritmos de R&B con himnos gospel en un nuevo tipo de música que se conocería como soul.

Luego firmó con ABC Paramount Records inmediatamente después de su gran éxito crossover «What I Say». Como Stevie Wonder después de él, logró negociar una libertad en su contrato que pocos artistas antes que él habían logrado. Con esto asegurado, abandonó sus raíces de R&B y exploró su lado del país, reinventándose por completo y ese tipo de música en el proceso.

Modern Sounds in Country y Western Music llevaron el género a la prominencia de la corriente principal y aseguraron el legado de Charles como algo más que un exquisito hombre de R&B.

Escribió algunos buenos originales, pero su papel como intérprete de material fue insuperable. En ninguna parte se mostró mejor que en su interpretación de los estándares del país «No puedo dejar de amarte» y «No me conoces». Desde mediados de los sesenta en adelante su trabajo fue impredecible, pero cuando era bueno seguía siendo muy bueno. Tome su versión de «Eleanor Rigby» de The Beatles o «Imagine» de John Lennon. Aquellos eran pura felicidad musical y mostraban claramente que Charles estuvo trabajando en un cilindro durante unos treinta años. Cuando uno logró lo que tenía, revolucionó un género musical y ayudó a inventar otro, se ganó el derecho a hacer lo que le plazca.

Ray Charles murió en junio de 2004 a los 73 años, dejando tras de sí algunas de las mejores grabaciones de la música popular.