Los 10 mejores videojuegos hermosos

Hace unos meses, Roger Ebert publicó un blog en el que afirmaba que los videojuegos nunca serían considerados arte. Admitió libremente no haber jugado realmente muchos juegos y tener el sesgo innato en su contra que muchos de su generación hacen, pero aún confiaba en su afirmación de que había una incapacidad inherente en la forma misma de los videojuegos que les impedía jugar. lograr un objetivo artístico. Esto, por supuesto, no fue del agrado de las legiones de fanáticos de los videojuegos que pueblan Internet. Su publicación fue re-publicada, retuiteada, diseccionada, destrozada, ridiculizada y presentada como un ejemplo perfecto de cómo la industria de los videojuegos no recibe respeto, a pesar de que, además de la pornografía, genera más ingresos que cualquier otra forma de medios de comunicación, incluido el negocio del cine sobre el que Ebert se gana la vida escribiendo.

Todo este trastorno fue muy divertido de seguir y participar, pero la pregunta aún permanece. ¿Podrán los videojuegos alcanzar el estatus de Arte? En mi mente, y en la mente de muchos jugadores, casuales o no, la respuesta es definitivamente sí. Aquí hay diez videojuegos que a través de su historia, apariencia o sensación trascienden la humilde condición de ‘sofisticados desperdicios de tiempo’ y merecen ser considerados Arte.

Nota: Como jugador principalmente de PC, mi lista se inclina principalmente a juegos para ese medio. No quiere decir que los juegos de consola sean menos capaces de tener un estado de arte en mayúscula ‘A’ que sus primos de PC, es solo que no los he jugado lo suficiente como para juzgar. Los fanáticos de las consolas pueden agregar a esta lista cualquier ejemplo que crean que lo justifica.

10. Tormento de Planescape

En 1999, la compañía de videojuegos Interplay lanzó dos secuelas de su popular juego Baldur’s Gate basado en D&D. Baldur’s Gate fue un éxito no solo por lo mucho que se parecía a las reglas del juego de mesa, sino más importante aún por cómo capturó el espíritu de alta fantasía que los fanáticos amaban de D&D. Para la primera secuela, Interplay atenuó el desarrollo del personaje y amplió la acción (el aún agradable Icewind Dale), pero la otra secuela, Planescape: Torment, fue en la otra dirección. En lugar de desarrollar la jugabilidad, agregó una capa de steampunk y oscuridad a la fantasía y evitó el combate por la conversación. El personaje central no estaba en un viaje para amasar riquezas o conquistar a un enemigo espantoso, solo estaba tratando de descubrir quién era. Mientras él y sus compañeros (una calavera viviente, una súcubo y un cubo andante entre ellos) vagaban por «La ciudad de las puertas», el jugador pasaba mucho más tiempo en debates filosóficos que en el típico pirateo y corte que caracteriza a otros juegos de rol. Lo más intrigante es que la muerte, en lugar de ser solo una pena momentánea que debe evitarse, se reveló como el objetivo del personaje. Planescape: Torment se veía hermoso, estaba lleno de imaginación y asombro, y no rehuía preguntas profundas sobre la existencia y la muerte. Me suena a arte.

9. Ico

En 1997, al diseñador de videojuegos japonés Fumito Ueda se le ocurrió una idea simple para un videojuego. Un niño y una niña tomados de la mano y teniendo una aventura. De este dulce pero humilde comienzo surgió el clásico juego de Playstation Ico. La historia de un niño que es expulsado de su aldea porque nació con cuernos, Ico es un juego corto, simple, casi libre de diálogos que sirve como un gran juego de plataformas y una sutil meditación sobre la naturaleza del compañerismo. Ico crea un ambiente maravilloso y de otro mundo a través de la iluminación natural, escenarios mínimos pero hermosos y una banda sonora escasa. Ico también es increíblemente creativo con el lenguaje. Las pocas palabras que aparecen están en un lenguaje imaginario musical inventado para el juego. El segundo personaje, Yorba (la joven que es compañera del jugador) habla en otro idioma que no entiendes y su diálogo solo aparece como una serie de símbolos. A pesar de la falta de comunicación, el juego te obliga a trabajar con ella para ayudarlos a ambos a escapar de un castillo misterioso. Los acertijos y obstáculos son desafiantes, pero fáciles de entender, la historia digna de un libro clásico para niños, y todo parece sacado del sueño de un niño particularmente imaginativo. Ico es un juego como ningún otro, y un ejemplo perfecto de lo que puede ser un videojuego si sus creadores están dispuestos a seguir sus visiones.

8. Nadie vive para siempre

Pero no todos los videojuegos artísticos necesitan ser tan serios. Algunos, como The Operative: No One Lives Forever, se contentan con deleitarse con su propio sentido de alegría. En el juego, juegas a Cate Archer, una ladrona de joyas convertida en agente secreta que recorre un mundo de artilugios y armas de la década de 1960 para desenredar un complot siniestro para convertir a las personas en bombas vivientes. Pero la trama en sí no viene al caso. Impulsa el juego (que es un juego de disparos en primera persona de primer nivel) pero no es lo que puso el juego en esta lista. Donde No One Lives Forever brilla es en los detalles. La ropa, los muebles y los fondos no evocan los 60 reales, sino los 60 que se reproducían en las pantallas de cine y las novelas de espías. Desde estaciones espaciales secretas hasta guaridas en la jungla y discotecas de Alemania del Este, el juego agita el spy-fi y lo presenta de una manera fresca e irreverente. Si eso no fuera suficiente para ganarse un lugar en esta lista, el juego tiene horas de conversaciones entre los lacayos que Archer debe cortar para alcanzar sus objetivos. Puede cortarlos en cualquier momento que desee y llenarlos de plomo, pero si les dedica un poco de tiempo, los escuchará hablar sobre sus vidas, trabajos, pasatiempos e incluso sus deseos y temores más ocultos. Cualquier juego que realmente te recompense por ahorrar carne de cañón solo para escuchar su insatisfacción con sus condiciones de trabajo o sus planes para su banda de jam es seguramente algo más que un juego.

7. Silent Hill

Hay mucho horror drogadicto. Más que cualquier otro género, el terror parece atraer a piratas de todo tipo que creen que todo lo que necesitas hacer para hacer una película de terror es unir algunas muertes inteligentes y estás en camino. Pero en las manos adecuadas, amorosas y talentosas, el horror puede ser tan conmovedor y evocador como el gran drama. Los videojuegos de terror son lo mismo. Un gran número de ellos (bueno, casi todos) son salpicaduras empapadas de sangre y nada más. Pero en muy pocos casos raros, los juegos de terror pueden ser mucho más. Un gran ejemplo es Silent Hill, el clásico de supervivencia de terror de 1999 de Konami. Una obra maestra de la atmósfera, crea una inquietante mezcla de sombras, niebla y cosas horribles en la oscuridad. Rechazando la sangre y la conmoción estándar que alimenta el género, Silent Hill genera escalofríos y emociones a través de imágenes esquemáticas y una banda sonora y una banda sonora realmente aterradoras. La historia, que involucra a un hombre que busca a su hija desaparecida en la ciudad más espeluznante de Estados Unidos, obtiene gran parte de su poder de la absoluta normalidad de su personaje principal. Se cansa fácilmente, es un tirador terrible y sabe tanto como tú sobre lo que está pasando. Sumado a la atmósfera espeluznante, todo se suma a una gran experiencia verdaderamente inquietante. Y un juego que merece ser llamado arte.

6. Grim Fandango

Los buenos juegos son divertidos y te ayudan a matar un par de horas. Los grandes juegos crean mundos inmersivos que atraen a los jugadores y les hacen olvidarse de cualquier otra cosa que no sea alcanzar el siguiente nivel. Hay muchos trucos que usan los diseñadores para enganchar a los jugadores. Los elementos geniales, los poderes especiales y otros tipos de juegos emocionantes son los más comunes. Pero algunos juegos van más allá de la simple mecánica. Tomemos el clásico Grim Fandango de 1998. No es tan fascinante de jugar (como un juego de aventuras gráfico, principalmente implica señalar y hacer clic) pero crea un mundo tan único e imaginativo que los jugadores quieren superar los acertijos solo para ver qué sigue en la historia o qué el siguiente nivel se verá así. Una fantástica mezcla de folclore azteca y cine negro (dos cosas que nunca imaginarías trabajando tan bien juntas hasta que las veas), Grim Fandago es una obra maestra de diseño de producción. Desde su diseño de personajes inspirado en calaca y el más allá mexicano infundido, cada centímetro virtual del juego respira vida. Bueno, «respirar» puede que no sea la mejor manera de describir un juego que tiene lugar en el más allá, pero entiendes la idea. Grim Fandango les da a los jugadores la maravillosa sensación de que son un personaje de una película, en lugar de solo un montón de píxeles que se mueven por la pantalla. El diálogo crepita con ritmos de spanglish y noir, la jugabilidad es adictiva sin ser intrusiva, y todo se siente diferente a cualquier otro juego anterior o posterior. Grim Fandango es un gran juego y una gran obra de arte.

5. Blanco y negro

El género de criar mascotas es un favorito eterno en el mundo de los videojuegos. Por lo general, dirigido a niños y jugadores no tradicionales, este tipo de juegos permiten a los jugadores criar un lindo animalito o monstruo. Lo alimentan, lo cuidan, pero lo rellenan, y tal vez le enseñen un truco o dos. Son juegos lindos e inofensivos que no tienen otro objetivo que divertirse. El juego de 2001 de Lionhead Studios, Black and White tomó los tropos básicos del juego de criar mascotas y agregaron una capa gruesa de ética y moralidad. En el juego juegas con un dios que es responsable de una isla llena de gente. Para ayudarte en tus deberes, el juego te da un animal. Los jugadores crían al animal (llamado la ‘Criatura’) pero lo hacen usando un sistema muy real de castigo y recompensa. Si la criatura hace algo que tú quieres que haga, la acaricias. Si hace algo que no quieres que haga, lo abofeteas. Lo que hace que esta parte del juego sea única es que, como Dios, tienes el control total de lo que está bien y lo que está mal. Si quieres que el animal sea un motor salvaje de destrucción y furia, puedes entrenarlo para que lo sea. Si prefiere que sea una fuerza para el bien, puede entrenarlo para que sea agradable y útil. La elección moral queda enteramente en sus manos. Lo más interesante (o inquietante, si decidiste criar una Criatura malvada) es que tu tutela comienza a reflejarse en la apariencia de la Criatura. A medida que crece, cambia de acuerdo con la ruta en la que lo establezca. Si le enseñaste a ser virtuoso, adquiere una apariencia regia y angelical. Si lo colocas en el camino desagradable, se convierte en una bestia retorcida y horrible. De repente, las decisiones que tomas te devuelven la mirada y te piden que asumas la responsabilidad de la cosa terrible (o hermosa) que has creado. La criatura es solo una parte del juego y si el niño promedio de 14 años que con orgullo crea un lobo gigante monstruoso se detendrá a pensar en las consecuencias es discutible, pero es el intento de los diseñadores lo que cuenta. Y convierte el blanco y negro en una obra de arte.

4. Portal

En los videojuegos, como en todo el arte, los creadores y los artistas a veces pueden tomar solo algunos elementos básicos y ser increíblemente efectivos para crear tono y emoción. Tome el exitoso Portal de Valve en 2006. Aunque merecidamente alabado y recordado como un avance revolucionario en física y jugabilidad, Portal también contiene uno de los personajes más complejos e interesantes de la historia de los videojuegos. La Inteligencia Artificial indefectiblemente educada e indefectiblemente psicótica GLaDOS. En el juego, GLaDOS comienza como una voz alegre y útil que te guía y te enseña a usar tu equipo. Incluso te promete pastel si logras tus objetivos. Pero a medida que avanza el juego, GlaDOS revela gradualmente su verdadera naturaleza a través de mentiras repetidas, solicitudes extrañas y, finalmente, un colapso mental completo. Es una elección valiente e interesante por parte de los diseñadores. La única voz de autoridad y la única conexión de los jugadores con el mundo del juego más grande es mentir, loco y homicida. Las computadoras enloquecidas son un elemento básico de ciencia ficción tan antiguo como los extraterrestres sexys que quieren que les enseñen la costumbre de la Tierra de «besar», pero GlaDOS se eleva por encima del resto con una escritura nítida y una interpretación de voz increíble de Ellen McLain. En lugar del megalómano común con el que la mayoría de los videojuegos están satisfechos con sacar una y otra vez, Portal tiene un personaje completamente realizado como antagonista. El juego y GLaDOS son tan amenazantes que los jugadores no pueden evitar apegarse a una caja inerte que se usa para completar ciertas tareas. Llamado el ‘Cubo de compañero ponderado’, es tu único amigo mientras intentas sobrevivir a los terrores que GLaDOS tiene para ti. Portal es tan desgarrador que los jugadores de la vida real han dicho que sienten una verdadera tristeza cuando se ven obligados a destruir sus cubos a mitad del juego. Cosas bastante poderosas para un videojuego.

3. Bioshock

La moralidad es algo gracioso en los videojuegos. Dada la naturaleza del medio, la mayoría de los protagonistas son poco más que implacables máquinas de matar que tienen más en común con Jason del viernes 13 que cualquier héroe. Muchos juegos intentan compensar esto al tener una mecánica de moralidad incorporada que supuestamente toma en cuenta tus acciones a lo largo del juego y ajusta la experiencia en consecuencia. En la práctica, esto generalmente equivale a poco más que una muda de ropa y una escena diferente o dos. Pero en Bioshock, el juego de disparos en primera persona de 2K Games, las decisiones morales que debes tomar tienen un efecto real en la dificultad del juego. Tomar las decisiones «correctas» (no matar inocentes) hace que el juego sea más difícil. Si haces las cosas de manera desagradable (e incluso el jugador más hastiado tendrá dudas sobre matar a su primera Little Sister), las cosas son mucho más fáciles. No afecta el arco de la historia general del juego hasta el final, pero los tres finales distintos dejan en claro cuál fue la elección correcta. Para agregar aún más sabor filosófico al guiso, el juego aborda las ideas utópicas de Ayn Rand y presenta un mundo político y ético detallado para tomar decisiones. Es desafiante y una exploración bienvenida de la moralidad en los videojuegos y en general. Y como una ventaja adicional, es absolutamente increíble de mirar y explorar.

2. Grand Theft Auto: San Andreas

La serie Grand Theft Auto es conocida por sus innovaciones en los juegos. Desde Grand Theft Auto 3 en adelante, fue pionero en el estilo de juego ‘sandbox’ y creó un campo de juego rico, divertido y violento para que los jugadores cumplan con todos sus caprichos criminales. La violencia omnipresente y la falta total de moralidad del personaje principal de GTA 3 crearon mucha controversia e hicieron que el juego fuera infame, pero la jugabilidad sobresaliente es lo que lo convirtió en un éxito. La inevitable secuela Grand Theft Auto: Vice City presentó a un protagonista central más realizado (en realidad habló esta vez), pero no fue hasta Grand Theft Auto: San Andreas que tuvimos un personaje con corazón y alma. La historia sigue a un joven que regresa a su casa en los proyectos después de la muerte de su madre y rápidamente se ve atraído hacia el estilo de vida de las pandillas del que trató de huir. A medida que avanza el juego, se mueve a través de un arco de videojuego bastante estándar de crear y expandir su imperio criminal hasta convertirse en el jefe indiscutible de todo el estado. Pero lo que no es tan típico es la forma en que el juego crea un personaje principal que respira vivo y docenas de jugadores de apoyo que van más allá de los roles estándar de los videojuegos de villanos y ayudantes. Además del papel estelar de Young Malay como el héroe CJ, el elenco de voces cuenta con actores increíbles como Samuel L. Jackson, Chris Penn, James Woods y Peter Fonda. GTA: SA también crea un retrato imborrable y una sátira de la cultura estadounidense de principios de los 90. La música, los personajes y cientos de detalles de fondo crean un mundo real y vivo que es lo suficientemente cercano al nuestro como para plantear cuestiones de moralidad incluso en el machacador de botones más cansado. La infame violencia está ahí, pero solo porque está ahí en realidad también. GTA: SA pertenece a la gran tradición satírica de obras como Los viajes de Gulliver y Dr. Strangelove. Es divertido y muy imaginativo, pero hay mucho conocimiento cultural enterrado bajo todos los chistes y tiroteos. ¿Qué más se puede pedir en una obra de arte?

1. Legend of Zelda: Ocarina of Time

La serie de juegos Legend of Zelda ha existido durante casi tanto tiempo como Nintendo. Mario y su pandilla pueden ser el rostro de la franquicia, pero los jugadores dedicados saben que los juegos de Zelda son los que tienen carne en los huesos. Hay muchos juegos geniales con el héroe Link, pero la marca de agua más alta para el juego (y posiblemente los videojuegos en general) fue el clásico de piedra de 1998 The Legend of Zelda: The Ocarina of Time. Además de inventar básicamente el vocabulario y la gramática del juego de rol moderno, Ocarina of Time es un juego inmersivo, bellamente renderizado (a pesar de ser lanzado en un cartucho) y todavía se mantiene años después de su lanzamiento inicial. Los gráficos y la música son generaciones detrás de los juegos de hoy, pero no son la razón por la que The Legend of Zelda: The Ocarina of Time todavía aparece en las listas de Mejores Juegos año tras año. Lo que mantiene el juego fresco en la mente de las personas es el corazón y el alma que impulsan la historia. Claro, tiene todos los clichés de fantasía: joven héroe, princesa en apuros, búsqueda épica para recuperar piedras ocultas de poder, pero los presenta con gracia y sentimiento real. Los jugadores guían a Link (que es un niño al comienzo del juego) a través de un mundo mágico de peligro y aventura. Usa una espada, pero también necesita aprender a tocar un instrumento musical para completar ciertas tareas. Los personajes secundarios son geniales, la historia es cursi, pero conmovedora, y el final es tan dulce como cualquier videojuego tiene derecho a ser. The Legend Of Zelda: The Ocarina of Time es una historia maravillosa y conmovedora que se presenta en forma de juego. Hay una razón por la que ocupa un lugar especial en los corazones de todos los que lo han jugado.

por Geoff